Aurélie Martin - Presse Book

Concert: ZAZ, Live Report

2010-06-04T08:54:00.003+02:00

On nous avait prévenus. Ce mardi 1^er juin au Café de la Danse, le concert de ZAZ affichait complet. Voici le genre de propos qu’un esprit résistant tel que le mien a beaucoup de mal à intégrer. D’abord parce que le Café de la Danse n’est quand même pas Bercy – oui je sais, c’est encore mieux – ensuite parce que ZAZ n’est pas encore Lady Gaga. A l’extérieur, quelques clopeurs écrasent leur dernière cigarette, le videur trouve le temps de faire de l’humour… Vous aviez dit complet ? Pire, ce soir là, le Café de la Danse était plein à craquer ! Assis, debout, dans la fosse et aux étages, le public déborde jusque dans les escaliers, enfin ce qu’il en reste – c'est-à-dire quasi rien.

Inconnue il y a encore un an, ZAZ s’offre aujourd’hui Paris, un public déjà bien conquis et même une première partie, oui m’dâme !

Reconnaissons que pour le groupe Eté 67, le terrain était déjà largement préparé. La salle plus que motivée ne tarde pas à applaudir le groupe belge, manifestement possédés par leur musique et bien appréciés par le public. Se partageant le plateau à six musiciens, ils se retrouvent quelque peu coincés entre deux batteries, cinq guitares et les pieds de micro, et manquent à plusieurs reprises de trébucher. Peu importe, l'essentiel étant de se faire connaitre en annonçant rapido la sortie de leur deuxième opus. "ZAZ, c’est bien son premier ?" demande une voisine. Oui. Et soyez-en certains, la valeur n’attend pas le nombre des albums.

Car ZAZ fait partie de ces chanteurs qui vivent leur art avec le cœur. Petit bout de femme à la voix cassée, distillant des textes gouailleurs sur des rythmes jazz manouche, blues, afro et latino, la chanteuse arrive sur scène comme une fée dans un conte d’enfants. Elle danse en sautillant, chante avec le sourire et partage des regards complices avec ses musiciens, amis à la vie comme à la scène. ZAZ laisse beaucoup de place à ses partenaires d’aventure, preuve que pour la chanteuse et son équipe, la scène est avant tout un plaisir partagé à la manière d’un bon gueuleton auquel même le public – aussi débordant soit-il – est convié. Et ce, dès l’ouverture : "Il y a dix ans, je confondais amour et dépendance. Et puis j’ai compris qu’il fallait d’abord s’aimer soi-même pour aimer les gens" nous confie la jeune femme.

Pieds nus mais indéniablement bien dans ses baskets, ce soir-là, ZAZ a décidé de nous apporter un peu de magie. Et d’en recevoir au centuple ! En un rien de temps, elle parvient à réconcilier la fosse et les gradins en mettant tout le monde sur ses deux pieds autour de Ni oui, ni non et Je veux, deux petites bulles d’énergie et de tendresse.

Et puis soudain, elle plonge vers la fosse pour en extirper un homme de toute évidence ravi de monter sur scène. Il s’empare du micro et glisse quelques phrasés de rap. Une bisette sur la joue gauche et hop, l’ami retourne d’où il vient. Mon voisin me glisse qu’il s’agit d’un membre du groupe de rap dans lequel la chanteuse a traîné ses guêtres. Fin connaisseur visiblement. Après recherches, il s'agit du groupe Le 4P.

La soirée se termine avec l’incontournable Dans ma rue, tellement approprié au timbre de voix de la jeune chanteuse et un deuxième Je veux, applaudit, acclamé, que dis-je ? ovationné ! par un public qui en redemande. Encore et encore. "J’adore mon métier !", s’exclame l’artiste dans un rire mutin largement communicatif. ZAZ est une chanteuse heureuse. Alors forcément, bonheur partagé.

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Qee: le Yoga Iyegar

2010-05-04T15:29:00.001+02:00

Le yoga vous attire, seulement vous êtes raide comme un manche à balai ? Vous doutez de parvenir à vous relaxer en souffrant le martyre dans une position inconfortable ? Alors le yoga iyengar est fait pour vous. Cette pratique, développée dans les années 50 par Bellur Krishnamachar Sundararaja Iyengar, adapte les postures de yoga traditionnel aux capacités physiologiques occidentales. En mêlant travail physique et spirituel, elle met l’accent sur le tonus musculaire et l’alignement de la posture.

L’idée : trouver une harmonie entre le mental, le corps et le souffle par l’intermédiaire d’exercices développant l’endurance. De cette coordination découle un relâchement émotionnel propice à la relaxation. Ainsi le yoga iyengar est avant tout une aventure personnelle, permettant de résoudre l’équation entre force et souplesse, et de faire de votre corps un véritable espace d’introspection.

Peut être avez-vous trouvé la perle rare ! Car les vertus du yoga iyengar sont nombreuses. Chasseur de stress et de fatigue, il favorise la concentration et la vitalité physique. Il améliore enfin la digestion et la circulation sanguine, assurant un fonctionnement fluide et efficace entre tous les organes.

Comment ça se passe ?

Au sol ou debout, il s’agit d’organiser les différentes postures en séquence afin de se concentrer sur l’alignement des parties du corps dans l’espace. Effectuées en début de séance, les postures dynamiques renforcent le tonus musculaire et développent le souffle. Puis, l’utilisation d’un petit matériel (blocs, sangles, couvertures) permet de travailler la souplesse en fonction des capacités de chacun. Pour finir, des postures dites « de détente » libèrent des tensions et procurent une formidable sensation de bien-être.

Cette pratique progressive et non risquée est ouverte à toutes personnes à la conquête d’une bonne santé.

Yoga Iyengar sur Qee.fr

Qee: le Yoga Iyegar

2010-05-04T15:24:00.002+02:00

Le nom vous dit peut être quelque-chose. Parce qu’il mêle relaxation et travail physique, le Yoga Iyengar est l’une des pratiques les plus recherchée dans nos sociétés occidentales. En misant sur le consensus corps-esprit-souffle propre au yoga, les postures – empruntées au yoga traditionnel – insistent sur l’alignement des parties du corps. Le principe : le mental se concentre sur l’action du corps et le mouvement de la respiration. Avec à la clé, une tonicité, une souplesse et un bien être garantis.

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Livre: Jean Ferrat, une vie, de Jean-Dominique Brierre

2010-05-01T22:11:00.002+02:00

Humble et intelligente, on ne pouvait attendre davantage de la première biographie de Jean Ferrat. Dans cet ouvrage inédit, Jean-Dominique Brierre fait résonner la force d'un nom choisi pour loger en grosse lettre sur les affiches.

Difficile d'écrire sur un homme mystérieux. Des idées de fer nourries par un douloureux passé, des paroles fortes qu'il mettra tant de temps à coucher sur le papier, Jean Ferrat emporte avec lui ses secrets les plus intimes. Il reste alors les témoignages de ses proches collaborateurs : Pierre Frachet, Michelle Senlis ou Claude Vinci. Précieux et nécessaires, mais toujours un peu timides.

L'anecdote est rare, l'atmosphère imperceptible. Point de romanesque ou si peu. Par respect ou manque d'informations, les premières pages sur l'enfance du chanteur restent elliptiques. Ainsi l'aurait-il voulu. Alors, vaille que vaille, Jean-Dominique Brierredécide de comprendre Ferrat en le replaçant dans son Histoire (la rafle du Vel' d'Hiv', Staline et Charles de Gaulle). Des données factuelles voire intellectuelles qui, au risque de rendre le texte impersonnel, nous rappelle la force des idéaux de l'artiste.

De la déportation d'un père au soutien au Parti Communiste Français, Ferrat est un écorché vif. Ses chansons sont un exutoire ; de galères en censures, elles finiront par connaître ce succès tant mérité. C'est donc en détaillant la naissance de Ma Môme,Nuit et Brouillard, Potemkine ou encore l'adaptation des poèmes d'Aragon que le biographe tire lentement les ficelles d'une vie. Aidé par son âme de spécialiste, il se livre à d'importantes digressions sur le contexte culturel et médiatique dont Ferrat sera souvent victime et contre lequel il luttera, en fervent défenseur de son métier. Avec en creux une idée : l’artiste ne se raconte pas, il se laisse deviner. Chaque explication est une clé offerte au lecteur pour comprendre les stigmates d'une vie où la politique le dispute à la poésie, et l'engagement à l'amour.

La maladie qui emporta Jean Ferrat est tenue sous silence. Point trop n'en faut : "Je m'en vais comme je suis venu, un peu plus calme un peu moins nu" (Je Meurs), a-t-il chanté en 1975.

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Livre: Punk, Hors limites de Stephen Colegrave et Steve Sullivan

2010-04-26T11:58:00.003+02:00

Pour faire un ouvrage sur le punk, il fallait taper fort. Une maquette renversante, des photos inédites et des anecdotes exclusives : Stephen Colegrave et Chris Sullivan ont visé grand. Tels de vrais fans, ils ont soutiré aux membres de groupes, photographes et propriétaires de clubs leurs souvenirs les plus intimes. En tout, ils sont une centaine à revisiter la révolution punk.

L'idée était bonne, mais de toute évidence un peu trop audacieuse. Car, si faire le livre de la génération punk en retraçant les années 1975-1979 est peut-être envisageable (cette période reste fondamentale dans l'émergence du mouvement anglo-saxon), il est inacceptable de se cantonner à l'aventure des Sex Pistols. Les influences de Malcolm McLaren, la création et l’apogée du groupe, la tournée Anarchy, le film The Great Rock'n'roll Swindle, l'incontournable boutique Sex sur Kings Road, tenue par McLaren et sa compagne, la styliste Vivienne Westwood, ou encore l’arrivée de Sid Vicious et la déchéance du groupe... Même les Clash, The Damned, Blanshees ou Siouxsie, voués à apparaître de-ci de-là, font pâle figure. Un parti pris qui, malgré l'actualité (voir notre chronique : Malcolm McLaren est mort), est plus que regrettable.

Quid des espoirs et revendications de l'esprit punk ? Ce n'est certainement pas en revisitant un groupe hurlant à la provocation et à la révolte interne que le lecteur répondra à cette question. Difficile de comprendre la portée du mouvement sans en explorer le contexte politico-culturel. Le risque étant de s’engluer dans l’image d’une attitude incoercible guidée par trois clichés : violence, sexe et drogue. Entre overdoses, coucheries et grosses bagarres, les auteurs ne dépassent aucun stéréotypes. Pire, ils finissent par les justifier. Le punk est consumé de l’intérieur, voué à l’autodestruction. Ainsi, la dissolution des Sex Pistols signerait-elle la fin d’un âge d’or ? Quelle tristesse de simplifier ainsi la richesse d’un univers. Cette génération punk, dont l’ouvrage ne livre que les racines putréfiées, a certainement bien plus de choses à dire qu’une nostalgie virant à l’amère exhortation des auteurs : "Nous espérons que le regain d’intérêt actuel pour le punk et la contribution de ce livre à ce phénomène inciteront les gens à contester le nouvel ordre établi et peut-être même les encourageront à concevoir des idées et des attitudes dérangeantes qui sauront arracher la génération précédente à son comportement mercantile. […] Vive le punk."

Un ouvrage bien tranché, on vous aura prévenu.

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Musique: Emily Loizeau

2010-04-13T14:33:00.003+02:00

Petit à petit, Loizeau fait son nid. Facile, mais irrésistible. Et vrai. Entre coups de tête et perfectionnisme, Emily a pris le temps de suivre ses inspirations. Et de laisser mûrir un univers original basé sur une acoustique audacieuse, résultat d'années de formation classique. A l’école le matin, au conservatoire l’après-midi, elle envisage très vite une carrière professionnelle. Mais à peine sorti du lycée, l’oisillon est encore fragile. La pression est trop forte et la jeune femme lâche piano et accordéon pour s’expatrier à Londres, dans sa famille maternelle.

Là, elle transpose sa fibre artistique sur les planches des écoles de théâtre, avant d’être employée comme assistante metteur en scène. De cette expérience Emily gardera un goût particulier pour la scène. Depuis les coulisses, elle décide finalement de ressortir ses partitions et c'est en 2001 qu'elle composeBalthazar, sa première chanson officielle. Le temps d’égrainer son morceau dans quelques bars de quartiers, et la chanteuse fait le grand saut.

A force de persévérance, l’univers d’Emily gagne les oreilles de Nicolas Galibert qui lui propose un contrat chez Sony Music Publishing. Il lui offre les premières parties de Tryo ou Patricia Kaas, de quoi mettre le pied à l'étrier. Dans la foulée, elle s’autoproduit un cd 6 titres, « La Folie en Tête». Et de folie, la demoiselle n'en manque pas: un beau jour, elle contacte la maison de disques Fargo et propose de faire la première partie du concert d’Andrew Bird, dont l'album allait sortir. Amusé, le directeur Michel Pampelune accepte la signature de « L’Autre Bout du Monde », son premier album. Nous sommes en 2006 et Emily s’apprête à partir pour une longue tournée de près de 200 concerts, allant de La Comédia, petite salle de ses débuts, au Grand Rex.

Au passage, Renan Luce lui présente son manager chez Gloria. Le célèbre label lui permet de tourner le clip de Jalouse, un succès international. Surtout, sous l'aile protectrice de sa nouvelle maison de disques, Emily enchaine les duos : Jasseron avec Franck Monnet, London Town avec Andrew Bird, Miss Celie’s Blues avec Renan Luce; avant de s’amuser à reprendre les tubes de Brassens ou Bob Dylan. Dès lors, les collaborations ne tarissent plus et Mathias Malzieu du groupe Dionysos propose à la chanteuse d’incarner le personnage du Docteur Madeleine dans son album « La Mécanique du Cœur ».

Avec l'an 2008 arrive la consécration. Après avoir été nommée au Victoires de la Musique, Emily écrit la BO du film "King Guillaume" et participe à celle de "Gainsbourg, vie héroïque"en 2009. Elle se révèle enfin dans son deuxième album, «Pays Sauvage», à l'univers rauque et acide, un rien sauvageonne précisément. Dans l’aventure, Olivia Ruiz, Jeanne Cherhal et Nina Mocato unissent leur c(h)oeur sur Femme A Barbe. Le succès est tel qu’une réédition de l'opus la propulse sur la plus haute marche du Prix Constantin. Une récompense bien méritée. Oui mais dites donc, Loizeau ne se sentirait-il pas pousser des ailes ?

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Musique: Gaëtan Roussel

2010-04-13T14:27:00.004+02:00

Il fait passer le "nous" avant le "je", le texte avant la personne, la voix avant la signature. Après plus de dix ans de carrière en tant qu’auteur, compositeur et interprète, Gaëtan Roussel est un nom qui se décide enfin à sortir de l’ombre.

L’histoire commence par une rencontre. Sur le macadam d’une cour de lycée de Montargis, Gaëtan et Robin Feix, alors jeune bassiste, se découvrent une passion commune : la musique; et une envie folle : conquérir Paris. Fraichement débarqué à la capitale, le duo s’encanaille d’un batteur, Alexandre Margraff, et se fait connaitre sous le nom de Caravage. Cette petite notoriété suscite l’intérêt du violoniste Arnaud Samuel, nouvelle recrue.

Avec un univers haut perché et criant d’originalité, le quatuor déboule au Printemps de Bourges comme un chien dans un jeu de quilles. Aussitôt une série de contrats (chez Delabel puis Atmosphériques) débouchent sur l’enregistrement d’un premier opus éponyme en compagnie de Gordon Gano, leader du groupe punky-rock américain Violent Femmes, qui deviendra leur parrain artistique. Nous sommes en 1997. Louise Attaque est né.

Avec une voix particulière et des textes empreints de réalisme, Gaëtan trouve son univers. Le succès est total. Attaché à une démarche en marge de l’industrie musicale, le groupe, pourtant mal accueilli par la presse, réitère l’expérience avec le même bonheur en 2000 - « Comme on a dit ». Accablé par ce double succès – oui oui ! – les artistes décident alors de se consacrer à leurs projets perso. En compagnie d’Arnaud, Gaëtan compose « Tarmac », album acoustique d’un tout autre style, résultat d’une collaboration avec des musiciens comme Jo Dahan etDaniel Jamet, les bassiste et guitariste de la Mano Negra.

En 2005, les membres de Louise Attaque unissent leurs inspirations venues d’ailleurs pour sortir un nouvel album « A plus tard crocodile ». Mais si le travail collectif résiste au dernier râle, Gaëtan commence à mesurer le poids de sa propre plume. Sollicité par des artistes comme Rachid Taha et Vanessa Paradis, il se voit également confier la composition de Je t’ai manqué, Résidents de la République et Sur un trapèze, titres de «Bleu pétrole », le dernier opus d’Alain Bashung.

Après ces vécus avec et pour les autres,Gaëtan Roussel entend désormais s'engager sur une trajectoire plus personnelle. Avec "Ginger", son premier album "solo mais pas solitaire" (voir notre interview), l’artiste s’imprègne des participations de Gordon Gano et Renée Scroggins pour créer un univers pop et mélodique. Recueil d’un homme qui n’en finit pas d’avancer.

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Musique: Justin Bieber

2010-04-13T14:23:00.002+02:00

Justin Drew Bieber ne doit rien à personne. Sa voix, il l'a travaillée seul, s'accompagnant d'instruments - guitare, piano ou trompette - dont il a appris à jouer sans l'aide de quiconque. Il est devenu célèbre sans le soutien d'un label ou d'une Major, se faisant simplement repérer sur YouTube… Autant dire que ce garçon là a bien plus qu’une bonne étoile... Du talent peut-être ?

A 12 ans, Justin remporte la deuxième place du podium d'un concours de chant local dans sa ville natale, Stratford en Ontario. Passionné de musique depuis son plus jeune âge, l’adolescent n’envisage pourtant pas d’encombrer les hits parades. En tout cas pas tout de suite! Si maman Pattie Malette télécharge quelques unes des performances de son fils, c’est avant tout pour sa famille et amis puissent admirer son brillant rejeton.

Ni ami, ni parent des Bieber, Scooter Braun n'est donc pas parmi les premiers destinataires de ces vidéos postées sur You Tube. Agent de marketing de So So Def, il a l'habitude de parcourir consciencieusement les sites de musique. C'est au cours d'une de ses recherches qu'il remarque le potentiel de Justin et lance aussitôt le branlebas de combat. Direction Atlanta, il envoie le garçon à la rencontre d'Usher, célèbre chanteur-compositeur de r'n'b. L’artiste confirme le sentiment de Scooter et Justin se voit alors embarqué pour une audition avec L.A. Reid, le président de Island Record. Le contrat est signé en octobre 2008, propulsant l'adolescent sur l’une des plus grandes scènes musicales américaines, celle du r’n’b.

Son premier opus « My World » sort aux Etats-Unis en novembre 2009, déclenchant l'hystérie de jeunes fans d'ores et déjà conquises par le single One Time. Un succès amplifié par la participation d'Usher qui apparaît dans le clip. Depuis, la bonne fée veille à la réussite de son petit protégé, Usher allant jusqu'à lui offrir une voiture pour ses 16 ans, fêtés en 2010.

Gâté, adulé, chouchouté, en quelques moisJustin atteint le haut de l'affiche. Même Barack Obama lui laisse l'honneur d'interpréter « Someday at Christmas » de Stevie Wonder lors de la traditionnelle Fête de Noël de la Maison Blanche. A peine lancé et déjà sur tous les fronts, Justin participe également à la nouvelle version de « We are the world » créée pour venir en aide aux habitants d'Haiti. De toute évidence, ce novice là a tout compris.

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Musique: Léo Ferré

2010-04-10T22:57:00.002+02:00

Musicien, poète - à moins que ce ne soit l'inverse, chantre d’une époque où amour et anarchie ne font qu’un, apôtre des envolées lyriques aux accents argotiques, Léo Ferré est tout cela. Et bien davantage.

Un enfant d’abord qui, du haut de ses 7 ans, jouait les sopranos dans la chorale de la Maîtrise de la Cathédrale de Monaco, sa ville natale. Pour le jeune Léo, la musique est une seconde nature. Pensionnaire des Frères des écoles chrétiennes du Collège Saint-Charles de Bordighera en Italie, il en fera un refuge contre la solitude et la discipline rigoriste de l'internat. Le bac en poche, le garçon espère jouir pleinement de cette liberté à laquelle il aspire déjà en s’inscrivant au conservatoire de musique. Mais son père l’oblige à donner des cours de français au collège de Bordighera. Un an plus tard, on le retrouve à Paris sur les bancs de la fac de droit. En 1939, diplômé de sciences politiques, Léo est mobilisé : sa dernière obligation. Après la débâcle de 1940, il est renvoyé dans ses foyers. Dès son retour, le chanteur égrène ses notes autodidactes sur les ondes de Radio Monte Carlo où il est embauché tantôt comme pianiste, speaker ou bruiteur, ainsi que sur les scènes des cabarets monégasques. Là, repéré et encouragé par Edith Piaf, il décide de se produire à la capitale.

Mais pour le jeune intermittent, Paris est synonyme de galères. Pendant huit ans, il bat le pavé entre les différentes caves à chansons (Les Assassins, Le Trou, le Milord l’Arsouille). Une instabilité qui conduit sa femme Odette à la séparation en 1950. De cet évènement nait La vie d’artiste, chanson conçue à quatre mains avec Francis Claude, son patron et ami. Car des amitiés, Léo Ferre en a beaucoup. Dans la chaleur d'un appartement, il reçoit ses proches: Jean-Roger Caussimon, Juliette Gréco ou Renée Lebas.

Surtout, depuis 1947, le chanteur fréquente les milieux libertaires. Entre amour et anarchie, Léo Ferre trouve son inspiration. Il rencontre alors Madeleine, sa muse qui partagera sa vie et sa carrière jusqu’en 1968.

Tout commence pourtant grâce à une autre femme, Catherine Sauvage qui, en composant Paris Canaille, lui permet de signer avec la maison de disque L’Odéon et de décrocher un premier grand succès. En 1955, les planches de l’Olympia accueillent L’Homme, Monsieur William ou Graine d’ananar. Avec des textes d’un lyrisme aguicheur, Léo Ferré séduit André Breton. Poète et chanteur entament alors une petite amitié, vite bousculée à la publication de «Poète, vos papiers », un premier recueil de poèmes de Léo, dans lequel il ira puiser toute sa vie. Breton y verra une prise de position contre l’écriture automatique des surréalistes. Refusant de préfacer l'ouvrage, il restera fâché avec Léo jusqu’à sa mort en 1966.

Mais l'artiste n’en oublie pas moins son attachement à la poésie. En 1957, il compose un disque hommage à Baudelaire, « Les Fleurs du Mal chanté par Léo Ferre », avant de s’approprier les textes d’Aragon (« Les chansons d’Aragon ») pour la firme Barclay en 1961. Aragon, flatté et conquis, fera de Léo son cher ami.

Ainsi, la décennie 1960 se veut prolifique. Entre ses nouvelles créations (T’es chouette, T’es rock, Coco) et le célèbre « Ferre 64 », disque jonglant entre poésie et coups de gueule d’un anarchiste, Léo Ferre s’impose comme un grand parolier aux textes percutants, dans la lignée d’un Brassens ou d’un Brel. Apothéose en 1968: l’artiste, marqué par sa rupture avec Madeleine, trouve son inspiration dans les agitations du célèbre Printemps. Deux énormes succès publics, C'est extra (1969) et surtout Avec le temps (1970) apportent au chantre de la contestation une très confortable sécurité financière. En 1970, « Amour Anarchie » est accueilli comme le sommet de son œuvre.

La première moitié des années 70 sera marquée par d'incessantes performances scéniques, souvent audacieuses, accompagné par les musiciens - comme le violoniste Ivry Gitlis - ou des orchestres classiques. Changement de ton et de décor en 1976. Avec sa femme, Marie Christine, épousée en 1973, il s'exile en Italie et adopte un style plus dépouillé, souvent sombre, inspiré du jazz rock des Beatles. Avant de reprendre la route en 1979, avec des orchestres classiques ou le groupe pop français Zoo. Au fil des années 80, il décline des compositions plus rythmées : « Ma vie est un slalom » (1979), « La violence et l’ennui » (1980), « Les loubards » (1985) à travers des spectacles tout à la fois ambitieux et populaires. Systématiquement, ses récitals s'achèvent désormais par Avec le temps, sa chanson la plus célèbre, qu'il fait précéder d'une adresse au public : " Je m'en vais. Je vous souhaite bonne nuit. N'applaudissez pas, merci d'avance."

Partagé entre son travail et la douceur de vivre auprès de sa femme et ses trois enfants (Mathieu, Marie-Cécile et Manuella), Léo Ferre mène enfin une vie sereine, sans jamais renier les convictions anarchistes de sa jeunesse. Après un dernier effort, "Une saison en enfer", hommage à Arthur Rimbaud, le grand Ferré s'éteint, emporté par une terrible maladie à l’âge de 77 ans. Il est enterré à Monaco, dans une tombe anonyme. N'applaudissez pas, merci d'avance.

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Musique: Bee Gees

2010-04-10T22:45:00.006+02:00

Mythiques, les Bee Gees ont bel et bien fini par le devenir. En emboitant le pas aux Beatles, ils s’imposent comme figure des années discos. La clé du succès : une complicité toute créatrice et une envie de réussir. Vaille que vaille.

Dans la famille Gibb, la musique est une histoire de frangins. Initiés aux vocalises par un père chef d’orchestre et une mère chanteuse, Barry, Maurice et Robin, se font remarquer dès 1956 dans un cinéma de quartier de Manchester à l’occasion d’un Tremplin amateur. De quoi flatter une petite renommée locale vite balayée par un départ en Australie.

Là, les jeunes garçons rencontrent Bill Good, un organisateur de spectacles. L’homme leur présente Bill Gates (pas de fausse joie, c’est un homonyme !), DJ d’une radio locale, qui donne aux frères leur nom de scène, formé à partir des initiales B et G de Brothers Gibbs, dit Bee Gees. Le voilà le scoop ! Cet acte de naissance est le prélude à un premier enregistrement : « Barry Gibb and the Bee Gees sing and play 14 Barry Gibb sing » en 1965, suivi du tube « Pick and Pecks », un succès aux hits parade.

Désormais au pied du podium, les Bee Geesdécident de reconquérir leurs terres de cœur, laissées à la verve des Beatles et des Rolling Stones. Quand les frères débarquent en Angleterre, la concurrence est rude. Alors, pour se faire remarquer, ils misent sur une production rapide (deux albums, « Horizontal» et « Idea » pour la seule année 1968). Jusqu’à ce que la chance s’offre enfin à eux.

Nous sommes au début des années 70, celles des paillettes et des chorégraphies chaloupées. Années heureuses pour le groupe qui profite du vide laissé par la séparation des Beatles. Avec leur timbre de voix particulier, ils contaminent le public d'une énergie envoûtante, portée par l’album «Saturday night fever » et ses tubes How deep is your love, Stayin’alive et Night fever.

Mais les lendemains de fêtes ne sont plus ce qu’ils étaient. Après dix années passées sur les dance-floor des soirées disco, les années 80 s'annoncent beaucoup moins fastes. Préférant se consacrer à leur vie de famille ou à des collaborations (Barbara Streisand, Diana Ross, Dionne Warwick), les Bee Gees se laissent dépasser par l’arrivée des nouvelles tendances telles que la New Wave (The Cure, Blondie, Depeche mode) et la Cold Wave (Indochine, Téléphone). Coup de grâce en 1988 : le décès d’Andy, leur plus jeune frère, bouleverse le trio qui décide de se réunir pour créer « One », un album hommage. Les chanteurs enchainent alors une série de concerts, des albums et reçoivent quelques nominations, aux Grammy Awards notamment. Alors que se profilent les dernières heures de gloire, le décès brutal de Maurice consacre la désintégration définitive du groupe en 2003.

Même si les fièvres du samedi soir, elles, restent éternelles…

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Musique: Stromae

2010-04-04T16:52:00.005+02:00

Stromae sait contrôler son destin comme personne. Un rien culotté et extrêmement malin, il déboule sur la scène française en donneur de leçons par la réalisation de 15 vidéos, largement diffusées sur la toile, il explique comment il crée ses morceaux. Une démarche audacieuse qui, au risque de conduire au casse-pipe, a pour l'instant fait de lui une (jeune) star du rap-electro.

C’est que des leçons, Paul Van Haver en prend depuis l’âge de 11 ans. Fidèle aux cours de solfège et de batterie de l’Académie musicale de Jette (Belgique), il intègre en 2000 le groupe Suspicion. Comme tout rappeur qui se respecte, le jeune homme se trouve un pseudo, OpMaesto, transformé en Stromae (maestro en verlan). C'est sous ce nouveau nom qu'il se fait remarquer cinq ans plus tard avec le titre Faut qu’t’arrêtes le rap, un succès qui le pousse à enchaîner les prestations telles que la Hip Hop Family en 2006 et Juste Debout Benelux en 2007. Lâché par un des membres, le groupe se dissout forçant Stromae à poursuivre sa carrière en solo.

Décidé à intégrer une école privée, l'artiste travaille dans un fast-food pendant un an afin de payer sa formation. Mais les économies demeurent insuffisantes. Préférant casser sa tirelire pour réaliser son premier opus, un maxi 4 titres intitulé "Juste un cerveau", il s’inscrit alors au INRACI (Institut de radioélectricité et de cinématographie en Belgique) dans la section cinématographie.

Nous sommes en 2007 et Stromae écume les différentes scènes franco-belges. Avec entre ses mains le petit plus qui fait la différence : une série de clips auto-réalisés. Très vite, quelques confrères s’arrachent les collaborations. Le chanteur compose alors plusieurs titres pour Kery James sur l’album "A l’ombre du show business", ainsi que pour Melissa M avec "Cette fois" et Anggun avec "Si je t'emmène".

Mais Stromae entend bien tirer profit de ses talents de compositeur. Une idée lumineuse lui vient alors : faire découvrir ses créations musicales en les expliquant. De quoi amuser les grands pontes des platines... Pourtant, dès le premier titre "Up saw liz… Un peu n’importe quoi", le succès est immédiat. Aussitôt, sa célèbre leçon n°8, "Alors on danse", passe de la toile aux ondes de la programmation de NRJ. Accompagné de DJ Spar, son DJ officiel, Stromae participe aux tournées NRJ Mash up et NRJ Extravagance de l’été 2009. Après une attente empressée de ses premiers fans, l’album "Les leçons de Stromae" arrive dans les bacs en mars 2010. Jamais donneur de leçons n’a connu un tel succès.

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Qee: Médecine traditionnelle chinoise

2010-03-13T15:24:00.002+01:00

Qu’est-ce que c’est ?

Bercée par l’exotisme d’un voyage à travers l’espace et le temps, la médecine traditionnelle chinoise repose sur une philosophie millénaire selon laquelle l’univers est mû par une énergie – Qi – circulant entre les plantes, les astres et les êtres. Ce système est régi par deux forces fondamentales, le Yin (froid, ombre, humidité) et le Yang (chaleur, lumière, sécheresse). De cet équilibre nait l’harmonie et une bonne santé.

A quoi ça sert ?

Parce que chaque individu possède une constitution qui lui est propre (dite un terrain), la MTC s’attache à élaborer un programme personnalisé en fonction du tempérament et de l’équilibre énergétique de chacun. Le but : prévenir et soigner des maladies tels que les troubles cutanés, digestifs, neurologiques, génitaux ou respiratoires.

Comment ça se passe ?

Une bonne connaissance de l’histoire physique et émotionnelle de la personne est indispensable afin d’appréhender au mieux les perturbations susceptibles de mener à un déséquilibre. Pendant une heure, la spécialiste engage un travail psychologique et manuel précis. Au programme : principalement massages et moxibustion permettent de régulariser le débit du flux énergétique tout au long du réseau corporel. Un traitement doux et naturel qui s’annonce avant tout comme une prise en charge de sa propre santé.

Car atteindre l’harmonie est une question de volonté. De précieux conseils diététiques donnés en fonction des saisons rappellent que le corps est une composante de l’univers et que l’équilibre auquel tout individu aspire est guidé par cette philosophie de vie.

Publié sur Qee.fr

Qee - Newsletter

2010-03-13T15:10:00.003+01:00

Médecine traditionnelle chinoise

Et si vous faisiez de votre corps un véritable allié ?

Parce que les facteurs émotionnels et environnementaux influent sur notre état de santé, la médecine traditionnelle chinoise envisage le corps humain avec le mouvement de la nature.

Un système qui, bien loin de nos conceptions occidentales, est régi par un échange d’énergies entre les éléments. Sous la conduite de théories ancestrales et de techniques personnalisées, elle est un outil pour mieux se connaître et atteindre l’harmonie.

Les consultations de Médecine Traditionnelle Chinoise sont dispensées par Purevjav Mendsaikhan (tout le monde l’appelle Pujee !) diplômée de la Faculté de Médecine de Shanghai.

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Musique: Carmen Maria Vega

2010-03-03T11:38:00.003+01:00

L’histoire aurait pu être le livret d’un opéra de Bizet. Max, c’est l’homme à la guitare qui écrit des airs inspirés pour la belle Carmen. Sur les rythmes effrénés de son compositeur, la chanteuse tape du talon. Insolente, outragée, elle dégueule un vocabulaire provocateur sur un ton de charretier. Cette Carmen là joue la tourmente. Un mélodrame d’un nouveau genre, chanté Docs Martens aux pieds.

Tour à tour mythomane, alcoolo, dévastée par les médocs ou âme en peine, elle promène sa mauvaise conduite sur des textes acerbes et impudiques. La chanson est un rôle qui lui sied bien et pour cause : du haut de ses 7 ans, "Carmenita" faisait déjà la pantomime dans les cours de théâtre. Adolescente elle voulait devenir comédienne. Jusqu’à ce qu’un échec au concours d’art dramatique la conduise tout droit au fond d’un vieux rade lyonnais. Sur le chemin elle rencontre Max Lavegie, mi poète-mi musicien, futur partenaire de cordes avec qui la jeune femme écorchera les standards de jazz des cafés-concerts.

Mais un caractère bien trempé ne se contente pas de vieilles reprises. Max écrit alors La Menteuse, un texte dévastateur dont Carmen s’empare avec sensibilité. Et le public en redemande. Dans l’urgence, l'artiste sue sang et eau pour construire un répertoire écumé dans la France entière – une tournée de 200 dates et des tremplins comme Le Fair ou Les Chantiers des Francos. Sur scène, la chanteuse revêt un à un les différents personnages que Max a composé pour elle. Un duo délirant qui ne tarde pas à s’encanailler d’un contrebassiste, Alain Arnaudet, et d’un batteur, Toma Milteau, nouvelle recrue de 2009. Très vite, le groupe signe un contrat chez AZ et un premier opus voit le jour, enregistré sous la griffe de Vincent Carpentier, Fred Jaillard et Xavier Bussy, la fine équipe de "Comme un manouche sans guitare" de Thomas Dutronc.

Bercé par l'univers Sanseverino, l’album éponyme déverse ses histoires rudes, cinglantes mais toujours drôles, dans les bacs de l’automne 2009. Avec une verve vindicative et cruelle, d’inspiration punk et jazz manouche… Qui a dit que l’amour était enfant de bohême?

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Musique: Nancy Ajram

2010-03-03T11:34:00.002+01:00

"Je vous parle d’un temps que les moins de vingt ans ne peuvent pas connaître"… Celui d’un âge d’or version Jacques Martin et ses incontournables concours de chant. Celui enfin des dimanches après-midi chez mémé, bercés par des voix juvéniles qui s’égosillent sur des reprises de Sardou ou Kate Bush (oui, c’est dur…).

A une exception près : nous sommes au Liban, en 1991 – j’ai bien parlé d’âge d’or ! Les fidèles téléspectateurs s’enthousiasment alors pour la lauréate du prix Unicef Children’singing sur LBC TV. Son nom, Nancy Ajram, fait exploser les palmarès. Pendant quatre ans, elle rafle tous les concours qu'organise la télévision libanaise. Fier d’un tel succès, son papa lui offre les meilleurs professeurs de la place de Beyrouth. Pour une heureuse concrétisation en 1995, sur le plateau de l’émission Najoum Al-Mostakal (Etoiles du futur).

Terminés les concours de jeunesse : avec son premier album, "Muhtaghalak", produit par son père, Nancy entre dans la cour des grands. Nouveau parcours, nouvelle médiatisation, sur les chaines de clips cette fois. Son tube reste au top 1 pendant trois semaines et met la puce à l’oreille du Syndicat des artistes professionnels libanais. En coulisses comme sur les écrans, elle gagne la confiance de ses compatriotes, s’affirme et finit par imposer un nouveau style, mélange de pop et de musique traditionnelle. En 2003, son album "Ya Salam" marque le début d’une collaboration avec le producteur Gigi Lamaraet la célèbre réalisatrice Nadine Labaki qui dirige les tournages de ses clips.

Ainsi Nancy devient l'artiste la plus médiatisée du Moyen Orient. Elle est élue meilleure chanteuse arabe par le magazine Zakrat Al-Khajil en 2003 et 2004 et l’une des chanteuses les plus influentes du monde arabe par Newsweek en 2005. Après les écrans et les papiers glacés, elle est placardée au format publicitaire pour Coca-Cola, les bijoux Damas ou Sony Ericson, dont elle devient l’égérie.

Car en plus d’être talentueuse, la jeune femme est remarquablement belle. Et l’atout fait polémique : en misant sur la danse et la séduction, Nancy Ajram revendique l’usage du langage corporel. Cette vision, plébiscitée par un public avide d’un renversement des normes conservatrices et applaudie en tournée internationale, a suscité de vives réactions lors d’un concert au Koweït. Nancy s’est vu imposer une robe noire tombant jusqu’aux chevilles. De quoi renforcer une popularité déjà bien établie. Et ça, les médias l’ont bien compris !

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Musique: Jena Lee

2010-03-03T11:30:00.003+01:00

En achetant un simple magnétophone et un logiciel de chansons, les parents de Sylvia Garcia n’imaginaient pas que le petit matériel ferait de leur fille une future chanteuse. D’ailleurs, avaient-ils réellement pensé qu’un jour, cette enfant de neuf mois adoptée au Chili, serait une jeune auteure, compositrice et interprète ?

Sans doute pas. Pour eux, la musique est d’abord une passion. Communicative. Très tôt, l'adolescente apprend à jouer des cordes vocales. Déterminée et imaginative, elle enregistre ses mélodies, reproduisant avec sa seule voix le son de multiples instruments. Ainsi émerge Banalités, un de ses morceaux de jeunesse qui attire l’attention de l’éditeur Vital Song.

Tout va trop vite pour les parents de Jena, qui gardent les pieds sur terre et reprennent un air connu : « Passe ton bac d’abord ! ». L'ado précoce obtempère. C'est donc en 2005 - et son diplôme en poche - que la chanteuse quitte sa petite ville d'Oloron Sainte-Marie pour la capitale.

Si Jena a le profil Popstars, c'est en passant par les coulisses de l'émission qu'elle marque ses premiers points. En effet en 2007, la production l'invite à participer à la création de l’album de Sheryfa Luna. Pour la jeune lauréate, elle compose cinq titres dont Quelque part et Comme avant, un duo avec Mathieu Edward.

Recherchée pour sa plume, Jena a pourtant un style bien à elle qu’elle compte explorer avec sa propre voix. C’est ainsi qu’en remportant l’Oxford Music Tour, elle réalise son premier concert à La Boule Noire. Confortée dans l’espoir d’une carrière solo, la chanteuse se présente au concours Urban Music Nation. Et c’est un nouveau succès. Du haut de la plus haute marche, elle signe un contrat chez Mercury/Universal. Son premier album, "Vous remercier" (2009) est accompagné de clips conçus sous la griffe du dessinateur chinois Benjamin. La jeune femme y est représentée dans un univers manga, signe annonciateur de son originalité. En image comme dans ses textes, Jena Lee est envahie d’une émotion navigant entre optimisme et nihilisme, une sorte d’espoir sombre propre à sa personnalité. Bercée par les airs de Justin Timberlake, Timbaland ou Linkin Park, elle invente le style « Emo r’n’b », une nouvelle verve musicale qui se chante avec le cœur.

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Musique: Akon

2010-03-03T11:24:00.003+01:00

Quel serait le destin d’un enfant sénégalais, immigré aux Etats-Unis à l’âge de 7 ans, bad boy et voleur de voitures ? Compliqué, cela ne fait aucun doute. Imaginez maintenant que ce même enfant soit le fils de Mor Thiam, initié aux percussions dès l’enfance, féru de hip hop et de culture urbaine ?

L’histoire d’Aliaine Badara Thiam est surprenante, révoltante ou admirable. Elle est surtout la preuve que le déterminisme n’est pas une science exacte, et qu'il est toujours possible de croire en sa bonne étoile.

Côté pile, il y a la musique. Akon fait ses premiers pas au sein du collectifRefugees Allstar de Wyclef Jean et participe à l’album "The Score" des Fugees. Côté face, ce sera la prison. Une expérience curieusement salutaire : c’est sous les verrous que l’artiste compose ses premiers morceaux. Moments de réflexion et d’introspection : dès sa sortie, il se lance en solo. En un rien de temps, ses compositions déboulent sur le bureau de SRC/Universal et l’album "Trouble" (2004) voit le jour. Akon impose son style – mélange de hip hop, de groove et de soul – ainsi que ses coups durs, thème repris dans la plupart de ses textes. Avec "Konvict" (détenu) pour leitmotiv, le chanteur annonce la couleur d’un nouveau phénomène musical.

En seulement quatre ans et trois albums ("Konvicted" en 2006 et "Freedom" en 2008), il se révèle auteur, compositeur, interprète, producteur ET homme d’affaires !

Business, business… L’empire Akon se répand comme une coulée de lave. Grâce à son label Konvict Music, il collabore entre autres avec Snoop Dogg, Whitney Houston, Alicia Keys, Michaël Jackson – pour sa dernière apparition en 2008 – et se complaît dans le rôle du révélateur de jeunes talents. Outre-Atlantique, Akon est un musicien engagé et fidèle à ses origines. En créant son propre label Akon Live Afrik, il apporte à la scène sénégalaise de nouveaux moyens de diffusion. Il ouvre également Konfidence Foundation, une fondation pour enfants défavorisés d’Afrique. Pas de jaloux, les riches ont aussi leur part du gâteau: avec la création en 2007 de sa propre ligne de vêtements – Konvict Clothing – et d’une gamme de diamants, le chanteur élargit son champ d'action. Ne manque plus que le cinéma et le tour est joué! Après quelques apparitions sur le petit écran, il se lance dans la production de projets cinématographiques.

Une réhabilitation exemplaire, qui permet d'espérer que la prison peut mener à tout à condition d'en sortir.

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Quentin Mosimann

2010-03-03T10:28:00.002+01:00

On n'imagine pas le pouvoir des peluches musicales. Du bout de la cordelette, les petites berceuses délivrent leur univers électrique. C'est la musique des marchands de rêves. Et Quentin Mosimann l'a bien compris. Très tôt, la musique lui est une seconde nature. A quatre ans, l'enfant réclame une batterie. A sept, ses parents lui offre un synthé. Alors évidemment, lorsque, à l’adolescence, il reçoit une magnifique sono flambant neuve, c’est tout un monde qui s’ouvre à lui. Dès le collège, il s’amuse à animer les soirées de Bogève, son village de Haute-Savoie... Avant de passer aux choses sérieuses.

Tout commence avec le Concours européen de la chanson française, à La Léchère en Savoie. Une première victoire l’incite à poursuivre l’aventure dans la ville de Valmorel, avec un jury professionnel cette fois. Et c’est un double succès, offrant l’occasion à Quentin d’enregistrer sa première maquette. Aussitôt, François Benheim, auteur-compositeur, est conquis par le talent du jeune novice. Il le prend sous son aile dans un seul but : l’aider à trouver le style musical qui lui convient vraiment.

Le jour, Quentin travaille sa technique. La nuit, il construit sa petite réputation de DJ – sous le nom de John Louly – dans une discothèque de Hyère (Savoie toujours). Jusqu'à ce que la Star Academy vienne lui changer la vie…

Souvenez-vous de cette trépidante finale 2008 opposant Mathieu, archi repêché par ses camarades, à Quentin, l'académicien original. Porté par son univers jazzy et électro, ce dernier est désigné vainqueur. Entre gloire et fortune, le jeune homme peut désormais sortir son premier single, une reprise du tube Cherchez le garçon de Taxi Girl en version swing et électro. L'artiste est une révélation pour les adeptes du dance floor qui se jettent sur son album "Duel" (2008), également composé de reprises des grands titres des années 80.

Copieur oui, imposteur certainement pas ! Quentin reçoit ainsi les honneurs des plus grands. Il chante en duo avec Peter Cincotti à l’Olympia, puis avec Paul Anka au Palais des Congrès de Paris. Surtout, c’est sur le plateau de la Star Ac’, son ancienne école, qu’il reçoit son premier disque d’or. Avec une musique qui repose sur des techniques de studio et des arrangements sophistiqués, ce nouveau geek se pose dans la droite ligne d’un David Guetta ou un Tocadisco. Alors, pour entrer dans la cour des grands, Quentin se lance enfin dans la composition de son premier album perso, "Exhibition" (2010). L’opus, victime du syndrome générationnel des amours sans lendemain, de la quête du prince charmant ou du besoin d’indépendance, trouve son public. Et dans le rôle du marchand de rêves, Quentin entend bien faire carrière!

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Livre: Michael Jackson n'a jamais existé. Etude d'un mythe contemporain d'Amélie Dalmazzo

2010-02-22T17:38:00.005+01:00

Michael Jackson n’a jamais existé. Voilà un scoop digne des unes de tabloïds. C'est pourtant sous la forme d'un ouvrage méthodique et analytique qu'Amélie Dalmazzo tape du point sur la table. Terminées les rumeurs douteuses ! Dans une version réduite (soyez rassurés) de sa thèse sur le charisme et les fans de Michael Jackson, cette docteur en Science de l’Information et de la Communication décrypte la vie artistique du roi de la pop. Le but : mettre à jour le processus de mythification dont le chanteur a été l’objet. Ou la victime ! Car de toute évidence, Michael Jackson ne serait rien sans ce que nous avons voulu faire de lui. L’analyse est convaincante, notamment dans la mise en lumière des logiques médiatiques instaurées autour du phénomène musical. Mais, et c’est déplorable, l’auteur bascule par instants dans une sorte de victimisation peu à propos.

Difficile pourtant de faire la part des choses. Parce qu’il est à la fois noir et blanc, adulte et enfant, réel et imaginaire, Michael Jackson est devenu le miroir de notre société et le réceptacle de ses plus hauts fantasmes. Mi-ange mi-diable, mi-King of pop mi Wacko Jacko, il fascine autant qu’il effraie. En cela réside la force de la mythification : l’artiste est l’incarnation de nos conflits internes. Engagé dans un processus d’identification, le public finira, selon une logique psychanalytique (merci Freud), par tuer symboliquement ce double imaginaire. Aussi, après avoir été encensé, le chanteur est-il devenu un monstre. Avec en creux une supposition beaucoup plus caustique : n’avons-nous pas réellement tué Michael Jackson ?

La question reste ouverte, même si Amélie Dalmazzo se garde de la mettre en mots. Car finalement, Michael Jackson n'a jamais existé est davantage le support d’une étude sur les rouages de la construction d’une légende. Il permet de comprendre les enjeux du star system avant d'explorer les travers et les mécanismes d'une société avide de médiatisation. Au lecteur donc de laisser ses états d’âme au vestiaire et de se concentrer sur ce qui fait l’intérêt, tant social que psychanalytique, d’un tel ouvrage.

Editions Jacob-Duvernet

Publié dans la rubrique Chroniques d'AlloMusic.com

Musicien: Jean Corti

2010-02-16T11:24:00.006+01:00

Ringard, désuet et tombé en décrépitude, l’accordéon en prend pour son grade au tribunal des instruments du XXIème siècle. De toute évidence, l’élément fétiche des guinguettes, musettes et autres "fêtes" ne fait plus rêver. A moins de se laisser conter une petite histoire.

Il était une fois un accordéon, propriété d’un voisin italien. « Tu le veux ? » s’amuse l’homme en le posant sur les genoux du jeune garçon qui le regarde inlassablement. Sans demander son reste, ce dernier s’enfuit. Un voleur d’accordéon ! Qu’à cela ne tienne, de retour chez lui, l’enfant commence à jouer. Comme ça, à l’oreille. Et c’est le coup de foudre.

Pendant 20 ans, Jean et son accordéon feront danser les villages à l’heure de l’apéro, les cabarets marseillais puis les dancings de la capitale. En 1960, Brel est séduit par ce musicien qui trimbale son instrument comme un morceau de vie. Ensemble et pendant six ans, ils composent Les bourgeois, Les Vieux,Titine ou encore Madeleine. Des succès nés d’une symbiose entre musicien et chanteur. Une relation musicale et amicale qui se termine quelques mois avant l’arrêt définitif de Brel, laissant Jean Corti face à son destin.

Car l’aventure Brel a fait des envieux. Successivement, l’artiste accompagne Brassens, Jo Privat, Armand Lassagne, Brabara, Michel Petrucciani, Alain Bashung ou Rita Mitsouko. Toujours caché derrière son instrument, Corti attise la curiosité des journalistes. Un jour, l’un d’entre eux l’invite à faire la première partie du concert des Têtes Raides. Séduit par l'univers de l’artiste, Christian Olivier lui propose une improvisation. Pourquoi pas. Ce groupe de rock indépendant bien rigolo est un coup de jeune pour l’accordéoniste. De leur côté, les chanteurs conquis par l’instrument décident d’en faire leur base rythmique. Et ça marche du feu de Dieu.

L’accordéon se fait dévoué, complice, sympathique. Son artisan toujours modeste. Et puis, sous la pression des Têtes Raides, Jean Corti se décide à sortir de l’ombre. En 2001, Couka, paru chez Mon slip, le joli petit label du groupe, est vendu à 20 000 exemplaires. Du jamais vu en matière d’accordéon. Dans Versatile son deuxième opus – 2007 – le musicien s’entoure des grands noms du jazz – Jean-Philippe Viret, Jean-Marie Ecay et Philippe Delestre – pour revisiter les plus beaux textes de sa génération avec au chant, les voix de Christian Olivier, Olivia Ruiz, Marc Perrone ou Félix Belleau.

Histoires d’amour avec son instrument et d’amitié avec les interprètes, Jean Corti confère à la musique une charge affective. "Fiorina", son dernier album le prouve, une œuvre hommage à tout un passé musical qui a parcouru les arts et les vies. Le passé d’un homme qui a grandi et vieilli un accordéon contre son cœur.

Publié sur AlloMusic.com

Chanteur: PZK

2010-02-16T11:19:00.003+01:00

Du rock acnéique, de la pop juvénile et de l’électro capricieux… La musique vivrait-elle ses années d’adolescence boiteuse ? Visiblement oui.

Tout commence par l’envie de former un groupe. D’abord parce que « faire de la zic » fait rêver les filles, ensuite parce c’est un formidable moyen d’expression personnelle. Et comme Hugo Jean Louis Baptiste Blondel– ce n’est que le premier – Mendji Tebades,Clément Simpelaere, Florent Pyndhea etAntoine Delbeare ont beaucoup de choses à dire, les cinq amis d’enfance ont décidé de se réunir pour mettre en chansons leurs galères d’ados. Pour crâner un peu tout en jouant les rigolos de service, rien ne vaut une série de surnoms très, comment dire, laconiques –JLB, OLF, KBC Matic – voire élémentaires –Djouzi Djouz, Baobab.

Le groupe se forme en 2006, entre les cours de lycée et les soirées beuveries. Et les filles, et les filles, voilà pour les thématiques. Certes, à 18 ans, Sagan écrivait son premier roman… Mais que voulez-vous, pas facile d’être un jeune de nos jours !

Même si finalement, le petit groupe a su frapper à la bonne porte. Après un buzz via le net avec des vidéos et des mixtapes, les garçons décident de confier leur titre Les filles adorent aux Freaks, les producteurs de Fatal Bazooka. Une bonne prod’ et le tour est joué : le morceau devient un tube de l’été 2009. Dans la foulée, PZK sort son premier album éponyme. L’anecdote ne dit pas si les filles ont succombé au charme des chanteurs. Le boulot, c’est le boulot : un deuxième album est en préparation. N’en déplaise aux Vieux, l’adolescence est une maladie qui passe.

Publié sur AlloMusic.com

Livre: Maria Callas, Lettres d'amour par Renzo Allegri

2010-02-16T11:09:00.005+01:00

En réunissant des dizaines de lettres de la Callas, envoyées à son ex-mari Battista Meneghini, le journaliste et écrivain italien Renzo Allegri entend renverser les codes de la biographie traditionnelle. Toutes dépeignent une femme tourmentée, portant les stigmates d'une passion destructrice avec Onassis, le fameux armateur grec. En bon professionnel, – c'est-à-dire preuves à l'appui – le journaliste renverse le propos dès les premières lignes. La chanteuse a connu le bonheur ; à 24 ans, fraîchement débarquée en Italie, elle rencontre l'homme qui lancera sa carrière. Il a 51 ans et pourrait être son père. Il sera "son cher amour", son mari, puis son agent pendant douze ans.

Rares sont les récits qui se concentrent sur les premières années de la diva. Mais Allegri est un privilégié. Après avoir rencontré la Callas il y a quelques années – l'anecdote vient légitimer l'ouvrage – il s'octroie les bons soins de Meneghini. L'homme lui confie son trésor précieusement conservé. Là, bien loin des scandales, la jeune femme se dessine sous la plume des sentiments. En tournée au Brésil, en Argentine ou au Mexique, elle écrit jusqu’à trois lettres par jour, véritables déversoirs d’une âme éprise d’art et d’amour. La clé du bonheur ? Sur ce point, le lecteur reste à convaincre. Car en versant dans le mélodrame, Maria se sent seule, triste et exige une vie à la pointe du perfectionnisme : "Le public m’applaudit mais à l’intérieur de moi je sais que je pourrais avoir fait beaucoup plus !"

Malheureusement, les lettres entièrement retranscrites sont souvent trop longues et répétitives. Elles restent sclérosées sous une cascade de sentiments finalement sans grand intérêt. Résultat : une inextricable envie de lire les textes en diagonale et de se concentrer sur le fil romanesque en incise, porté à bout de bras par un auteur qui, lui aussi, flirte avec la répétition. L’ouvrage aurait gagné à être plus court, plus déterminé, à l’image d’une Callas trépidante. On ne pourra négliger la valeur documentaire du projet. Il ne servira pourtant qu'à redorer le blason d'une légende.

Publié sur allomusic.com

Théâtre: Stéphane Guillon, Liberté surveillée

2010-02-06T10:12:00.009+01:00

Stéphane Guillon a déboulé sur France Inter comme un chien dans un jeu de quilles. Après la télévision - 20h10 pétantes et Salut les terriens sur Canal+ - le cinéma et des apparitions auprès de Stéphane Bern dans Le fou du roi - France Inter - l'humoriste réunit aujourd'hui près de 2 millions d'auditeurs dans la matinale de Nicolas Demorand. "Viens, tu vas nous faire rigoler!" lui avait-on dit. Alors, pour la rigolade, Guillon s'est mis à labourer le champ politique en généreux détracteur. Depuis, l'humoriste est en liberté surveillée.

Ainsi s'ouvre le spectacle, "pour qu'[on] sache dans quelles conditions [il] travaille". Terminées les parties de cache-cache derrière les micros de Radio-France, la scène est un déversoir où l'humoriste s'explique. On l'y retrouve grinçant, moqueur, vindicatif. "L'humour s'arrête là où la méchanceté commence" avait blâmé Dominique Strauss-Kahn, victime de sarcasmes sur ses frasques sexuelles. Les yeux rieurs, le sourcil levé, le chroniqueur au regard dubitatif s'en amuse: "alors il ne me reste plus rien!".

Guillon est un méchant. Ironique, corrosif, perturbateur, il se compalit à donner raison à ses accusateurs. Avec des reprises telles que sa chronique sur les jeux paralympiques, il remue le couteau dans la plaie. Le propos, alors mal perçu par une série d'auditeurs valides, fait ici l'honneur d'un homme tétraplégique qui, du coin de la salle, crie au bravo. Guillon a l'art de l'humour noir qui fait rire jaune. Politiquement in-correct, il ne veut épargner personne. Il embroche successivement Nicolas Sarkozy, DSK, Hortefeux, l'hypocrisie du riche ou le fatalisme du pauvre. Une palette qui ne saurait déplaire à un public conquis d'avance.

Mais la chronique est un jeu d'esprit hasardeux. Engluée dans la longueur du seul en scène, elle s'alourdit par instant et frôle l'essoufflement. Résultat: un spectacle qui n'est pas à la hauteur des interventions radiophoniques, plus nerveuses, plus enlevées. Reste le plaisir de quelques sketchs insistant sur la mise en scène (merci Muriel Cousin). Dans la peau d'un professeur d'histoire ou d'un gardien de prison, Guillon prend des chemins de traverse. Il contourne le champ politique - sans jamais le quitter des yeux - et bascule dans la critique déguisée, alors un peu plus à même de retenir un public pendant deux heures.

Publié sur CritikArt.net

Une belle victoire pour les photographes

2010-01-16T13:08:00.003+01:00

En novembre dernier, la société Pierre Cardin Auction Art Rémy Le Fut & ssociés s'est vue retirer les tirages de presse d'une vente aux enchères pour le compte d'Hachette Italie et ce, sans l'accord des auteurs. Parmi eux: Gilles Caron, Annie Leibovitz, Robert Doisneau, Sebastiao Salgado et 17 photographes de l'Agence Magnum dont Abbas et Robert Capa. Ces tirages, différents de ceux réalisés dans le cadre d'une vente d'oeuvres originales, notamment par leur tonalité gris neutre et leur faible valeur, avaient été confiés aux rédactions afin d'établir un choix en vue d'une publication. Ils devaient ensuite être restitués à leurs auteurs. Les rédactions achètent alors un droit de reproduction n'impliquant pas la propriété matérielle des tirages et si les clichés sont souvent conservés - comme c'est ici le cas pendant plus de 30 ans - les éditeurs de presse ne doivent pas en changer la destination. Telle est la décision de la juge vers qui se sont tournées les organisations FreeLens, UPC, la Saif et l'Agence Magnum. Une victoire historique pour les photographes: face à la richesse des fonds photographiques des rédactions, cet évènement apporte enfin une reconnaissance juridique du droit d'auteur sur ce type de document.

Image: couverture du magazine Réponses Photo n°215. Crédit photo: Max Lamour

Paru dans Réponses photo, n°215 Février 2010 (p16)

Humanistic Report: Essaouira - Report Evasion

2010-01-08T12:38:00.022+01:00

Célèbre pour sa plage, son architecture et sa diversité culturelle, Essaouira est devenue l'une des principales destinations touristiques du Maroc. Par-delà cette nouvelle carte postale, le photographe Hervé Caroff a su trouver la douceur d'une authenticité.

Essaouira est une récalcitrante. Construite au XVIIIème siècle selon un plan d'urbanisme français, la ville porte les stigmates d'années de commerce extérieur et de tourisme européen. Mais elle est née en terre marocaine, une empreinte indélébile pour un pays nourri par la tradition.

La ville et ses habitants sont restés authentiques. Ils ont su préserver leur patrimoine et leurs habitudes de vie qui semblent être restés à l'écart du grand tourisme et des différentes préoccupations du monde d'aujourd'hui.

Si le tourisme est l'une des principales sources de revenu pour les habitants, l'activité portuaire témoigne de la pérénité d'une pêche traditionnelle.

La criée s'effectue à même le sol sous l'ombrage des coques de bateaux en construction. Un rituel au décor gigantesque.

Le marché terminé, les viscères abandonés font le festin des oiseaux marins.

Plus loin, les hommes retournent à leurs occupations.

Dans l'ancienne médina inscrite au patrimoine de l'UNESCO, le souk libère ses accents marocains. Un caractère convivial propre au site. Ce dernier, à l'inverse des grandes villes marocaines, n'est pas voué qu'au tourisme et c'est là que son charme réside. Les promeneurs se mélangent rapidement à la population qui va bon train à ses préoccupations de la vie quotidienne.

De toute évidence, Essaouira est une ville aux mille couleurs qui s'admire en noir et blanc. Surprenant? Pas vraiment. Si les images renforcent le caractère intemporel, c'est pour mieux percevoir la douceur d'une visage buriné par le soleil. Ou encore ces enfants qui, confrontés au monde du travail, savent retrouver l'insouciance qui leur est due. dès qu'ils ont quitté leurs obligations, ils redeviennent ces enfants pleins de charme et de tendresse, réinventant des jeux que nous n'avons plus.

Et puis sans prévenir, la médina déverse ses remparts dans l'Océan, là où kitesurf et windsurf sillonnent les vagues sous le regard des autochtones. Terriblement anachronique.

Crédit photo: Hervé Caroff

Publié sur le webzine de HumanisticReport.com

Centre de bien être QEE - newsletter

2010-01-03T18:48:00.002+01:00

Pilates, la star du moment

Avec une série d'exercices simples à pratiquer à même le sol, le pilates est une technique de gymnastique en profondeur qui corrige les asymétries corporelles.

L'idée: travailler les muscles posturaus tels que l'abdomen, les dorsaux et les fessiers afin de galber la silhouette et de prévenir des faiblesses chroniques dues à une mauvaise posture. Le tout accompagné d'une rythmique respiratoire permettant d'évacuer stress et petits tracas en une heure de bien être. Le pilates, à découvrir sur notre site.

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Centre de bien être QEE

2010-01-03T18:22:00.004+01:00

Pilates

Qu'est-ce que c'est?

Terminés les efforts d'endurance et les calculs de calories. Subtil mélange de gym et de yoga, le pilates nous rappelle que le sport passe d'abord par la prise de conscience et le contrôle de la fonction musculaire. En apprenant à solliciter les muscles faibles et à relâcher les régions tendues, il aide à corriger les asymétries physiques. Un véritable travail thérapeutique de plus en plus recommandé par le corps médical. Car en plus d'assurer un physique harmonieux, le pilates renforce la tonicité musculaire et prévient d'éventuelles douleurs chroniques comme le mal de dos.

Allez-y, vous pouvez souffler! Un cours de pilates est un moment privilégié pendant lequel vous pourrez respirer. Très proche du yoga sur l'importance accordée au souffle, il s'en différencie par la technique: la respiration ne s'effectue pas par le ventre mais par la cage thoracique. Les abdominaux, centre d el'énergie, restent toujours contractés. Résultat, le pilates sollicite la concentration qui, en associant physique et respiration, est un excellent libérateur de stress.

Comment ça se passe?

Le principe est simple. Au sol, sur un matelas, une série d'exercices insistent sur les muscles profonds, ceux qui définissent le maintien de la silhouette. Abdos, fessiers et dorsaux sont constamment sollicités. Ainsi, avec des techniques travaillant une seule partie du corps (isolation), le centre de gravité et le ressenti, le pilates améliore les performances physiques, la soulesse et la mobilité articulaire.

Mais attention, ici, labeur rime avec douceur. Pas de travail en force ni de prise de risque, les exercices s'effectuent selon un principe régulateur: la respiration.

Publié sur Qee.fr

Théâtre: Zorro, le Musical

2009-11-27T13:06:00.004+01:00

Deux anecdotes, au hasard. D'abord, le héros doit son nom aux habitants du pueblo de Los Angeles qui le baptisent ainsi après avoir été sauvés d'une pendaison. Ensuite, sachez que Zorro aurait préféré avoir une cape rouge. Et ce n'est pas une blague. Sur une libre adaptation du roman d'Isabel Allende, la nouvelle comédie musicale nous ramène aux origines de la légende du vengueur masqué, où l'on découvre un personnage enfantin, davantage burlesque que charismatique. Mais héros tout de même. Car reconnaissons-le, s'attaquer à Zorro n'est pas chose aisée. Outre la légende aseptisée dont il fait l'objet, le personnage semble avoir perdu de sa fraicheur et l'on oscille bien souvent entre enthousiame et déception.

Mais il y a un remède: la musique, avec un tube, "Bamboleo", des Gipsy King, revisité sous la conduite d'un orchestre présent sur scène. C'est un atout majeur. Dans un esprit gitan et terriblement envoutant, "Zorro le musical" joue la carte de la séduction. Côté prestations: des cascades, des combats d'épée, des tours d'illusion et surtout, des chorégraphies aux accents espagnols signées Rafael Amargo, chorégraphe de renommée internationale. Tout y est, sans oublier l'incontournable boutique souvenirs dressée dans le hall d'entrée. Alors, Zorro, prouesse artistique ou objet commercial? La question est légitime. C'est le tribut des grosses productions.

Des affiches, un clip vidéo, un album: impossible d'échapper à la campagne de promotion de la comédie musicale. Produite par le groupe international Stage Entertainment - investigateur des succès du Roi Lion et de Cabaret - elle nous vient tout droit de Grande-Bretagne. On s'en serait douté, aux vues des moyens déployés.

Spectacle grand public, ce Zorro est avant tout un vivier de jeunes talents: Laurent Ban (Diego de la Vega, Zorro), Liza Pasto( Luisa), Géraldine Larrosa (Inez), et l'ensemble, avec entre autres Léovanie Raud, Eric Jetner et Angèle Humeau. Sous les claquettes du flamenco ou dans l'art des vocalises, tous s'exécutent avec leurs tripes. Au-delà des couleurs chatoyantes et de la magie de la scène, ils savent rappeler la pureté d'une émotion. Et nous offrir un spectacle d'ores et déjà annoncé comme un succès.

Publié sur CritikArt.net

No more Bhopals de Micha Patault

2009-11-24T13:12:00.008+01:00

La nuit du 3 décembre 1984, l'usine de pesticides Union Carbide explose sur Bhopal faisant plus de 23000 morts et 500 000 victimes. Dans son livre No more Bhopals, Micha Patault retourne sur les traces d'une catastrophe toujours d'actualité. Démarche d'un auteur engagé.

Tout commence il y a cinq ans. Alors que le monde fait son devoir de mémoire, Micha engage une réflexion: "l'imagerie relative à Bhopal ne m'a pas semblée fidèle à la réalité de l'actualité. La tonalité générale avait tendance à réduire l'image de Bhopal dans sa tragédie passée." Pour ce jeune photographe, le reportage au long court est une première. Un gros sujet abordé de manière instinctive, sans doute un peu fragile. Mais peu importe, le projet s'affine au fil des quatre années de voyages. Guidé par des études de sociologie et à l'Institut de Langues Orientales (INALCO - études Hindi), Micha met ses connaissances au service de la photographie: "Je voulais ajouter une pierre aux travaux sur Bhopal. Il y a une véritable pénurie de photos et peu de documents expliquent le problème. Raghu Raï a couvert la période 1984-2004 mais Bhopal est une ville qui bouge tous les jours."

Aujourd'hui, Bhopal est le paysage d'une nouvelle catastrophe: l'eau, infiltrée de produits toxiques est consommée tous les jours par 5000 habitants, cette seconde génération de victimes. Les enfants sont au premier rang. Micha fait leurs portraits à la demande des ONG. Il en tire des images violentes, difficiles à assumer. Pour autant, elles sont une preuve visuelle de la catastrophe actuelle. "Je voulais montrer cette réalité mais présenter les images seules était trop choquant. Il fallait apporter les clés pour comprendre la réalité." Le photographe s'est donné une exigence: construire une trame narrative représentant la situation. No more Bhopal est un document où la recherche esthétique s'accompagne toujours d'un message.

Il est témoignages qui s'abîment dans le silence et des silences qui sont témoignages. Bhopal est l'un d'eux. Un lieu où les fantômes des corps fuyant les gaz habitent les rues nocturnes. Des images infernales qui transposent dans le présent cette nuit de décembre 1984. L'ouvrage travaille une temporalité déployée sur trois chapitres: la tragédie passée, les conséquences d'une eau contaminée et la lutte activiste. Tout à la fois passé-présent-futur, Bhopal est finalement un lieu où le temps s'est arrêté.

A cette image, Micha trouve un symbole: des foetus avortés après la catastrophe et conservés dans des bocaux comme des reliques. Il découvre leur existence dans un reportage de Raghu Raï et se bat pour les photographier à son tour. Mais à l'inverse de son prédécesseur, ce sera en couleur: "Il ont 25 ans et ne sont même pas nés. Pour moi ce sont des pré-victimes, un prélèvement de mémoire. Je voulais les rendre beaux et qu'ils reprennent vie."

Redonner vie à Bhopal est le sujet du troisième chapitre "Bhopal en marche", ajouté en 2008. Face à la frilosité du gouvernement indien qui, craignant de perdre son plus gros investisseur - les Etats-Unis - se garde de pointer toute responsabilité, les organisatons activistes ont décidé de faire pression. Leur campagne réclame la mise en place d'un plan de nettoyage et le respect du principe pollueur/payeur. A son tour, Micha a eu envie de s'impliquer. Avec les photographes Stéphane Bouillet et Kostas Pliakos, il a monté Bhopal XXV à l'occasion du 25ème anniversaire de la catastrophe. Par la mise en ligne d'une photo par jour pendant un mois, le projet rappelle la gravité de la situation. Egalement à leur initiative: des cartes postales à envoyer au directeur de Union Carbide invitent à soutenir le mouvement.

No more Bhopal est un ouvrage simple, extrêment construit, sans emphase. Pour Micha, il est surtout une succession de rencontres. La plus belle d'entre elles s'appelle Sarmil, 6 ans, aveugle depuis la naissance. La fillette maintient toujours les yeux fermés. Jusqu'à ce moment magique où, blottie contre sa mère, elle ouvre l'oeil. Micha saisit l'instant comme un cadeau. La photo, symbole d'une tendresse toute douloureuse, est devenue le support de communication de la campagne de sensibilisation de Bhopal.

Crédit photo: Micha Patault

Publié sur Photojournalisme.fr

Biographies

2009-11-14T14:09:00.000+01:00

Lara Fabian

Diam's

Quidam

Livre: Kata Sutra, la vérité crue sur la vie sexuelle des filles - Nadia Daam, Emma Defaud, Titiou lecoq, Johana Sabroux, Elizabeth Philippe

2009-10-31T12:31:00.007+01:00

Voilà un petit ovni dans la rentrée des essais, qui présente l'intérêt de dire une part de la réalité -sans se prendre au sérieux.

Au risque de décevoir les esprits lubriques, Kata Sutra n'est pas un énième scénario catastrophe du Kama Sutra. Parce que la vie sexuelle des filles ne s'apprend pas dans un livre de positions, ici le mot d'ordre est simple : dire la vérité toute la vérité. L'essentiel étant de parler d'un nous, les femmes, et d'une réalité, la sexualité.

Les fantasmes, les fellations mais aussi les plans foireux, les envies pipi et l'amour en chaussettes, tout y passe sans complexe. Du Bridget Jones ? Pas vraiment. Les co-auteures préfèrent rappeler que les fiascos existent et qu'on les aime tels qu'ils sont. A bas les petites gênes et autres culpabilités, le message se dessine sur fond de légèreté contre la dictature de l'orgasme et des étreintes parfaites. Avec elles, la sexualité n'est plus un défi. Si l'on accepte de rire des mauvais coups.

Après l'anticonformisme de "Mauvaises mères" (éd. Jacob Duvernet, 2008) Johana Sabroux, Nadia Daam et Emma Defaud s'attaquent à la stigmatisation d'une sexualité épanouie. Ajoutées de deux consoeurs, elles troquent leur langue de bois et se racontent avec humour, dans un style enlevé et intimiste. Dernier acte de séduction proprement féminin.

Publié sur CritikArt.Net

Edition spéciale Prix des correspondants de guerre, Bayeux

2009-10-21T14:52:00.005+02:00

Interview d'Alain Mingam

Alain Mingam : la vérité au-delà de la manipulation

Vidéo à voir sur: http://bayeux.photojournalisme.fr/?p=125

Alain Mingam revient sur ce qu’il appelle les qualités et les défauts du photojournalisme. Les dangers de la manipulation nuisent à l’image de marque du photojournalisme, dont l’essence même est de dire la vérité. Si l’exposition Guerre ici de Patrick Chauvel est basée sur des images retouchées, cette retouche est préalablement déclarée, et n’a pour but que de souligner la réalité des images d’origine.

Une presse qui se clone elle-même

Vidéo à voir sur: http://bayeux.photojournalisme.fr/?p=130

Face à cette presse en retrait, qui ne s’investit plus au côté de la production des sujets, Alain Mingam voit se dessiner un espoir dans les recherches de la « presse citoyenne » et le succès des festivals, qui prennent le relais pour répondre aux attentes du public. Il pense qu’il faudra trouver une nouvelle presse, qui saura soutenir les photojournalistes, qui « continuent à produire envers et contre tout ». A l’heure où des agences comme Gamma sont en grande difficulté, le problème pour lui ne vient pas de la production, mais de l’exploitation des images que fait la presse d’aujourd’hui.

La force de la photographie et l’importance du contenu

Vidéo à voir sur: http://bayeux.photojournalisme.fr/?p=134

Alain Mingam reste optimiste quant à l’avenir du photojournalisme. Sa tradition, alliant force de l’image et qualité de contenu, est son principal atout. Si l’on assiste aujourd’hui à un « tsunami d’images » et à un changement de nature et de support de diffusion de celles-ci, cela ne fait qu’encourager le besoin de qualité. Or, apporter la qualité, n’est-ce pas le travail du photographe professionnel justement.

Nouveau type de photo pour « nouveaux tuyaux »

Vidéo à voir sur: http://bayeux.photojournalisme.fr/?p=138

Pour Alain Mingam, le succès des « nouveaux médias », tout comme celui des festivals, favorisent aujourd’hui l’émergence d’un nouveau type de photographie, plus axé vers une rencontre directe avec le public.

Vidéo et montage: Valerio Vincenzo

Publié sur l'Edition spéciale Prix Bayeux de Photojournalisme.fr

Edition spéciale Prix des correspondants de guerre, Bayeux

2009-10-21T14:49:00.003+02:00

Interview de Déo Namujimbo

L’exil ou la mort, les difficultés d’un journaliste local

Vidéo à voir sur: http://bayeux.photojournalisme.fr/?p=121

Déo Namujimbo est journaliste indépendant en République Démocratique du Congo et correspondant de Reporters Sans Frontières sur place. Obligé de fuir son pays, il vient d’obtenir le statut de réfugié en France. Il nous confie que ses écrits « ne plaisaient pas aux autorités et aux militaires » de son pays, et qu’après avoir échappé plusieurs fois à la mort, il a préféré ne plus faire courir de risques à sa famille. Son frère, journaliste lui aussi, a été assassiné l’an dernier…
Lui qui ne peut plus travailler dans son propre pays, trouve important que des journalistes occidentaux viennent couvrir ce qui se passe chez lui. Il pense cependant que ce mode de couverture doit respecter certaines conditions, gages de qualité.

Vidéo et montage: Valerio Vincenzo

Publié sur l'Edition spéciale du Prix Bayeux de Photojournalisme.fr

Edition spéciale Prix des correspondants de guerre, Bayeux

2009-10-12T10:32:00.002+02:00

L'indicible et l'inaudible quand on a vu la mort

interview vidéo de Jean-Paul Mari: http://bayeux.photojournalisme.fr/?p=23

Hier soir, sous le grand chapiteau de la place Gauquelin-Despallières, l’ambiance était presque monastique. Jean-Paul Mari nous présentait un sujet aussi tabou que douloureux : quels traumatismes la guerre peut-elle causer chez ceux qui la couvrent ?

A leur retour, on dit « qu’ils ne sont plus les mêmes ». Le regard vide, hantés par des cauchemars et des flash-back, ils sont absents. Morts. A l’intérieur, en tout cas. Le corps est là, « sans blessures apparentes ». Mais l’esprit ? Ces hommes et femmes reviennent du coeur de la terreur. Ils emportent avec eux une image, une odeur, un souvenir obsédant et ….. traumatisant : « L’image peut pénétrer dansle cerveau des hommes et le transpercer. En grec, trauma signifie « percer » » explique Jean-Paul Mari.

Le reporter a longuement étudié le sujet. Il a recueilli des témoignages, écouté les explications des psychiatres et des médecins. Pour un terrible constat : cet état est largement répandu et peut arriver à tout le monde. Il refuse de parler de maladie, de prédispositions psychologiques ou de folie. Il s’agit d’une blessure qu’il faut à tout prix panser.Pourtant, le traumatisme est indicible et inaudible. Tabou, même dans la profession. Résultat : l’individu s’enferme dans sa propre névrose et s’abandonne au sentiment d’exclusion.

Jean-Paul Mari est grand reporter au Nouvel Observateur depuis 25 ans. Il a couvert de nombreux conflits, vu des hommes et des femmes brisés par cette confrontation avec la mort. Soldats, mais aussi humanitaires et journalistes. Il a présentera son ouvrage « Sans blessures apparentes » (Ed. Robert Laffont) sur le Salon du livre du Prix-Bayeux-Calvados, et travaille actuellement sur un documentaire sur ce thème pour France 2.

vidéo et montage: Valerio Vincenzo

Publié sur l'Edition spéciale de photojournalisme.fr

Edition spéciale Prix des correspondants de guerre, Bayeux

2009-10-12T10:27:00.003+02:00

Interview de Patrick Chauvel

Patrick Chauvel et l'économie de guerre
Face à notre caméra, Patrick Chauvel nous livre sa vision du photojournalisme aujourd’hui. Comment le métier de correspondant de guerre a-t-il évolué ? Comment les médias français rendent-ils compte des conflits ? Le reporter parle de la guerre tant sur les lignes de front qu’au niveau géopolitique.
Pour voir l'interview vidéo: http://bayeux.photojournalisme.fr/?p=11

Patrick Chauvel: travailler ensemble et rappeler la réalité
En tant que Président du jury, Patrick Chauvel est porteur d’un message. A Bayeux il nous livre également son expo Guerre ici, en germe depuis plus de dix ans.
Pour voir l'interview vidéo: http://bayeux.photojournalisme.fr/?p=15

Patrick Chauvel: ne pas confondre showbiz et journalisme
Les conseils de Patrick Chauvel à un jeune reporter prêt à couvrir une zone de conflits. Un engagement au-delà du « Moi Je »…
Pour voir l'interview vidéo: http://bayeux.photojournalisme.fr/?p=19

vidéo et montage: Valerio Vincenzo

Publié sur l'Edition spéciale de photojournalisme.fr

Edition spéciale Prix des correspondants de guerre, Bayeux

2009-10-12T10:21:00.004+02:00

Prix Bayeux-Calvados, l’implication du public

Samedi, le jury public se réunissait au côté du jury officiel, pour désigner le lauréat du Prix du Public dans la catégorie Photo. Le reportage Trouble au Congo, de Jérôme Delay (AP), était récompensé lors de la soirée de clôture…

Dix heures. Café chaud et viennoiseries accueillent les membres du jury. Entre gourmandise et papotages, chacun se prépare à visionner les 10 reportages en compétition. Pendant que les professionnels multiplient les poignées de mains, le public se concentre sur le dossier de présentation qui leur est distribué.

« Le public aussi a son mot à dire »
Pour une grande partie du public, participer au jury du Prix qui leur est consacré est une continuité logique. D’abord fidèles spectateurs des Soirées, ils envisagent le passage au vote comme un engagement. Certains participent pour la première fois. D’autres ne comptent plus les années. Tous se félicitent d’une chose : ils peuvent prouver leur intérêt pour les reportages de guerre et s’impliquer dans une nomination. Parce que « le public aussi a son mot à dire », beaucoup sont venus s’inscrire dès l’ouverture des listes annoncée dans le journal local. « Bayeux organise un Prix du public et on en est ravi. Nous sommes les lecteurs, ceux à qui ces images sont destinées. C’est important qu’on donne notre avis ».

Une sélection basée sur l’émotion
Dans la salle de conférence de la Halle aux grains, la concentration bat son plein. Les reportages se succèdent, entrecoupés de quelques minutes de prise de notes. On échange, on feuillette. Mais déjà le noir retombe sur les sièges : « On n’a malheureusement pas assez de temps pour réfléchir à chaque sujet. On les découvre au dernier moment et on peut à peine lire les explications sur la situation. Du coup, c’est l’émotion qui prime ». Là est la force d’un public non spécialiste. Il fonctionne au coup de coeur et contraste avec les arguments du jury professionnel. Les pros jugent la qualité globale du sujet, la construction des images et le récit qui en est fait. Le quidam apprécie la prise de risque, ce que le sujet lui apprend et l’esthétique d’une image qui permet d’explorer la sensibilité du photographe. Miser sur le ressenti est un atout. Qui révèle un autre type de problème : « on réalise qu’on n’a pas d’éducation à l’image. Parfois, je ne vois pas que les images sont organisées et racontent une histoire. Le jury professionnel nous enseigne ce genre de chose. C’est bien. »

Au-delà de l’hémoglobine
Réunir les deux jurys est constructif car comme toujours, on a tout à apprendre des remarques d’autrui. Les échanges sont certes un peu timides mais révèlent l’intérêt manifeste du public pour les conditions intrinsèques à la guerre. « On n’a ni envie ni besoin de voir une quantité d’hémoglobine. On est davantage intéressés par la vie des populations ou les sujets sur les enfants par exemple. Ils constituent l’avenir de ces pays. » La guerre ne se montre pas seulement par la violence qui peut même être perçue comme une agression : « trop de violence dévie le sens du propos. Le but d’un reportage est de montrer la réalité des choses sans qu’on ait à détourner le regard. » Mieux, un public averti préfère intellectualiser certaines scènes : « à travers la photo d’un immeuble détruit, on imagine les morts et les victimes. C’est aussi ça, regarder une image ». Et en redemande, l’année prochaine.

photos: Valerio Vincenzo

Publié sur l'Edition spéciale de photojournalisme.fr

Edition spéciale Prix des correspondants de guerre, Bayeux

2009-10-12T10:15:00.007+02:00

Patrick Chauvel à coeur ouvert

L’homme n’est ni grand ni fort, pourtant il impressionne. Son regard dur concentre toute l’horreur du monde : Patrick Chauvel a des choses à raconter, même si généralement, il préfère se taire. Et agir. On attendait un visage crispé et imperturbable, celui des interviews et des éprouvantes questions-réponses. Non, ce matin-là, Patrick s’adresse à des jeunes et ça change tout. Pas d’objectif braqué sur lui, le photographe se décontracte. Et raconte sa vie de reporter, à coeur ouvert.

Chauvel est un livre aux mille histoires. La peur, la misère, l’adrénaline, la mort, les mots s’accompagnent toujours d’un souvenir en Tchétchénie, en Afghanistan ou ailleurs. Et pour être plus percutant, il n’hésite pas à y mêler une pointe d’humour : « Quand on part pour une zone de conflit, et qu’il n’y a personne dans l’avion c’est bon signe : ça veut dire que c’est vraiment la merde ! ». Humour noir bien sûr, les lycéens ne s’y trompent pas. Comme dans les vieux contes de l’oncle Tom, le récit n’est jamais gratuit.

D’ailleurs, au fil des minutes, Chauvel ne mâche plus ses mots. Les anecdotes entrainent des critiques contre l’ONU, observatrice et inutile, ou encore la guerre en Afghanistan : « les soldats se battent pour de mauvaises causes. Personne ne va gagner. Ces gens sont chez eux et ils se fichent de la démocratie. Ils ne savent même pas ce que c’est ni comment ça s’écrit. Même New-York et les tours ils ne connaissent pas ! Ce n’est pas leur faute tout ça ! »Des guerres qui ne tiennent pas la route, là est le constat d’un homme qui parle pour le peuple. Et pour une profession, au pouvoir immense et effrayant : « D’après vous, qu’est ce que craignent les Etats-Unis et les israéliens quand ils bloquent les frontières ? Ils craignent la petite fille qui court sous les bombes au Napalm ! »

Clairement, le rapport entre photojournalisme et gouvernement soulève la polémique. Sans tarder, un lycéen s’interroge : « avez-vous déjà travaillé avec les services secrets ? » Patrick est affirmatif : « Sur place jamais, ce serait se tirer une balle dans le pied. J’ai déjà été contacté par les services israéliens mais j’ai refusé. Sinon, c’est un engrenage. Et puis si on bidonne, on met en danger toute la profession. Le métier doit garder sa crédibilité : on n’est pas là pour changer la donne mais pour raconter ce qu’il se passe. » Avant de nuancer : « En revanche, j’avoue avoir déjà travaillé avec les services secrets pour des sujets précis, comme une libération. Mais jamais pour un acte militaire. »

Refus de la compromission, prise de risque et peur au ventre, le métier de correspondants de guerre a de quoi marquer un homme. Traumatisé ? Chauvel contourne la question : « Et pourquoi croyez-vous que j’ai acheté ces bottes ? » Il porte ses santiags comme une carapace. « Bien sûr il faut une période de transition. Mais si on croit à ce qu’on fait, il n’y a pas de place pour le traumatisme. L’essentiel est qu’il faut que le travail soit reconnu ». Du Chauvel tout craché, blindé et convainquant. Même si son « Moi ça va ! », peut-être un peu trop sûr, porte les stigmates d’une vie de rapporteur de guerre.

Photo: Valerio Vincenzo

Publié sur l'Edition spéciale de photojournalisme.fr

Edition spéciale Prix des correspondants de guerre, Bayeux

2009-10-12T10:09:00.004+02:00

Patrick Baz rencontre les Classes Prix Bayeux-Calvados

Patrick Baz est né au Liban, un pays où les enfants collectionnent les douilles de balles. Il se souvient et s’en amuse aujourd’hui : « j’ai choisi la caméra plutôt que la kalashnikov ». Une phrase forte qui en dit long sur la place du photojournalisme dans les pays arabes. Ainsi s’ouvre le débat.

Mieux que quiconque, il parle d’un pays. Et d’un métier : « les jeunes arabes ne sont pas confrontés à ce que vous voyez tous les jours. Il n’y a pas de culture de l’image comme celle que vous pouvez avoir. Le graphisme et les écritures sont leurs seules références. Pour eux, le photojournalisme est un balbutiement.»« En 1989, il n’y avait aucun photojournaliste palestinien.» Le reporter s’est alors donné pour tâche de former quelques hommes au métier. Mais aujourd’hui, il constate le décalage entre les photojournalismes : « les reporters arabes ne se départissent pas d’un certain militantisme. Ils sont spécialisés dans les conflits et ne savent pas raconter une autre histoire que la guerre. Leurs images sont très violentes et ils ne comprennent pas que pour toucher l’Occident, il faut montrer autre chose. »

La force de l’éthique
Précisément, les élèves sont très sensibles à la violence des images de guerre. A la vue du diaporama de Patrick Baz, les visages se crispent et réagissent. Autocensure, respect d’autrui, les jeunes occidentaux brandissent des questions d’éthique. Patrick Baz explique : « Avec l’expérience, vous vous interdisez certains cadrages. Il n’y a pas d’autocensure dans le sens où je montre toujours les choses, mais différemment. Par ailleurs avec l’âge, vous n’avez plus rien à prouver à vous-même. Moi ça me gêne de travailler avec des personnes qui n’ont pas le respect des sujets. Notamment pour les enterrements. Quand on est dix photographes sur l’évènement, on veut toujours prendre une meilleure photo que celle du voisin. Moi, j’ai le sentiment de violer l’intimité de la famille. Dans ces circonstances, une seule photo suffit. »

Photographier la peur au ventre
Le métier de correspondant de guerre impressionne les jeunes adultes. Il faut être courageux, fonceur et téméraire. Prendre des risques en affrontant son pire ennemi, la peur. Comment fait-on ? Entre amour et haine, Patrick en a fait son fidèle compagnon. La peur le ronge avant de partir, le charge d’adrénaline une fois sur place et devient traumatique quand tout est fini. « On ne peut pas ne pas avoir peur. Je suis très effrayé par la foule. Un jour, je me suis fait lyncher. La foule est incontrôlable. » Photographier la peur au ventre, parce que la mort attend à chaque coin de rue. Sur ce point, Patrick reste mesuré : « Moi j’aime la vie et je pense qu’il y a des limites à ce qu’on peut faire. Aucune photo ne vaut une vie. » Pourtant, le reporter n’a jamais voulu arrêter : « c’est l’un des rares métiers au monde que l’on ne peut pas faire si on ne l’aime pas. Rien ne vous oblige à partir là-bas. »

Un métier égoïste
Rien n’oblige un correspondant de guerre à partir mais rien ne le retient. Patrick Baz l’avoue, c’est un métier égoïste. Alors que les jeunes s’inquiète d’une vie de famille, le reporter insiste : « Vous ne pensez qu’à vous, qu’à faire des photos. » Une passion donc, qui se vit envers et contre tout. Surtout pour elle-même. Y a-t-il une logique économique derrière une telle prise de risque ? s’interroge le public. Patrick se fait déconcertant : « au début des années 80, j’étais payé 300 dollars par jour pour une commande. Aujourd’hui c’est différent, la presse ne paye plus. Je suis salarié chez AFP et touche donc la même chose, que je fasse des photos de mode ou sur une zone de conflit. Quoi qu’il en soit, si tu veux gagner de l’argent en faisant de la photo, alors ne fait pas photojournaliste.» No comment.

Photos: Valerio Vincenzo

Publié sur l'Edition spéciale de photojournalisme.fr

Edition spéciale Prix des correspondants de guerre, Bayeux

2009-10-12T10:00:00.001+02:00

Information et éveil des consciences

La guerre est partout. Que ce soit à la télévision, à la radio ou dans les journaux. Tous les jours, ces élèves entendent parler de l’Irak, de l’Afghanistan ou de la Palestine. La guerre est présente au quotidien et pourtant tellement loin. Les jeunes n’y pensent pas. Il y a mieux à faire…
Or cette semaine à Bayeux, il n’y avait pas mieux faire ! Réfléchir à la guerre, celle des autres qui pourrait être un jour la leur. « On se dit toujours que c’est improbable, que la guerre est loin. Pourtant on est tous concerné. En voyant la guerre, je m’interroge sur notre paix. » De toute évidence, le projet Guerre ici de Patrick Chauvel a fait son chemin. Lors de la découverte de l’exposition, beaucoup ont pris conscience de la fragilité des choses. Jusqu’à cette petite voix dont la discrétion cache toute la profondeur d’une indignation : « On est tous là à étudier cette photo comme si on regardait un livre ouvert. Mais à quoi ça sert ? Et après ? Dans une heure on y pensera plus. Parce qu’on aspire tous à une vie tranquille. Ce n’est pas normal qu’on se dise choqué alors qu’après on va voir un film d’horreur comme Saw ! »

Tout est là. Ces jeunes sont englués dans leur petit confort et on les comprend, c’est agréable. Mais est-ce une raison pour rester les yeux fermés ? « On se sent ridicules après avoir vu tout ça. On ne voit pas ces images en temps normal. On ne savait pas. » Voilà une phrase à faire hurler Patrick Chauvel. Mais les élèves portent leur accusation : « Le problème est que le JT – leur unique référence – montre pleins d’images sans réelles explications. On a des chiffres, des nombres de morts mais ça ne nous touche même plus ! ». Une information tronquée, en trop grande quantité tant est si bien qu’on perd le sens du propos, l’insouciance de ces jeunes a le mérite de soulever les bonnes questions. Et une remarque, toute aussi pertinente : « J’ai l’impression que plus il y a de photos, plus on s’enferme sur nous-mêmes. »

Mais si les élèves s’accordent sur la banalisation des images, ils ne sont pas tous prêts à accepter la violence de certaines d’entre-elles. « Je pense qu’il ne faut pas montrer les images de guerre qui sont trop violentes. Il faut être préparé à ça, sinon ça peut même être dangereux. »

Dangereux ou pas, l’intérêt se déplace lentement. L’information trouve sa place dans les consciences. De même qu’un métier : « Avant pour moi, un journaliste faisait de l’actualité sur le vif. Maintenant, quand je vois qu’on peut leur bloquer des frontières, je comprends l’importance de ce métier. Les journalistes ne rapportent pas un évènement, ils apportent une Histoire, une mémoire. » Un bel honneur donc, bercé par une admiration toute réaliste : « Nous on a l’image facile et on ne se rend pas forcément compte que derrière, il y a des hommes qui risquent leur vie. Ils sont très courageux les reporters mais je ne pourrais pas faire ça ! »

photo: Valerio Vincenzo

Publié sur l'Edition spéciale de photojournalisme.fr

Edition spéciale Prix des correspondants de guerre, Bayeux.

2009-10-12T09:49:00.002+02:00

Le Prix Bayeux-Calvados, version pédagogique

Depuis presque dix ans, les lycées Sainte-Marie et Henri Cornat de Caen et Saint Jean Eudes de Vire participent au Prix Bayeux des correspondants de guerre. Cette année, un lycée de Genève les a rejoint. Un autre de Beyrouth, invité, n’a malheureusement pas pu venir.Le principe : les élèves de Première et de Terminale choisissent parmi dix reportages celui à qui ils remettront le Prix des Lycéens lors de la soirée de clôture. En parallèle, les « Classes Prix Bayeux-Calvados » profitent de rencontres avec des reporters de guerre. Le tout sous la gouverne de professeurs formés au CLEMI – Centre de Liaison de l’Enseignement et des Médias d’Information – et fervents défenseurs d’une éducation par l’image.

Savoir être bon juge
Sensibiliser les élèves à l’actualité internationale, leur faire prendre conscience du travail d’un correspondant de guerre et leur apprendre à décrypter un film. Une tâche ambitieuse mais capitale pour ces jeunes adultes qui ne mesurent pas l’importance du sujet.Le travail commence dès le 28 septembre. Pendant une grosse semaine, les élèves suivent une formation au cours de laquelle ils apprennent à analyser une image filmique. Accompagnés de leurs professeurs et de la documentaliste du CDI, ils visionnent et décrivent les reportages présentés à Bayeux l’an dernier. « L’idée est de les familiariser avec le reportage et de les mettre en situation » explique un professeur. Par la suite, les élèves constituent des groupes et travaillent sur les situations historique et militaire des pays concernés.

A vos marques, prêts, votez !
Ils ont alors toutes les clés en main pour dresser un tableau d’évaluation basé sur des critères simples tels que la force des images, l’émotion ou le message du reporter. Ce lundi 5 octobre, les élèves se sont réunis pour voter, dans le plus grand enthousiasme. Le lendemain, ils ont pu partager leur ressenti autour d’un petit-déjeuner. Un moment de répit avant de se lancer dans une nouvelle mission : faire un article ou un dessin témoignant de leur participation. Et si la guerre reste un sujet douloureux, quelques poètes ont su chatouiller leur muse. Leurs productions sont réunies dans un magazine intitulé « Citoyens du monde », distribué lors de la soirée de clôture.

Discuter avec les grands reporters
Depuis deux ans, le Prix Bayeux organise des rencontres entre les reporters et les scolaires. Honneur aux anciens : cette année, les lycées de Caen et de Vire ont eu le privilège de vivre la guerre au plus près, à travers des anecdotes, des témoignages, des regards. Au programme : Patrick Baz, Patrick Chauvel et d’autres. Autant d’expériences et de réponses différentes. Les élèves abreuvent leur curiosité. Parce que si les images laissent voir l’horreur, leurs auteurs savent la faire entendre.

Et ne pas trop vite oublier …
Bayeux est une mise en route, une sorte de déclic indispensable qui s’étend sur l’année entière. Les professeurs poursuivent leur travail pédagogique en mettant en place un dossier d’activités sous forme de synthèses, de photos prises lors du Prix et de commentaires. Le but est de susciter les réactions et de développer l’esprit critique de ces jeunes trop habitués à recevoir l’information de manière passive.
Pour la professeure d’Histoire des classes de Terminale du Lycée Saint Jean Eude, le Prix Bayeux est une aubaine : « le travail est très utile pour l’épreuve mineure du bac, une étude de documents. Je les incite à réexploiter ce qu’ils ont appris en sélectionnant un reportage quand ils sont face à une seule image. » Et il donne des idées : « quand j’ai vu la photo de la place Vendôme dans l’exposition de P. Chauvel, je me suis dit que j’allais l’utiliser pour un cours sur la IIIe République et la Commune de Paris. »De son côté, la professeure d’Anglais entend explorer les images et les textes sur la guerre du Vietnam afin de travailler la notion d’engagement. Comment peut-on s’élever pour ou contre une cause ? Aux élèves de répondre, en images peut être…

photos: Valerio Vincenzo

Publié sur l'Edition spéciale de Photojournalisme.fr

Biographie: Florent Pagny

2009-10-11T15:36:00.004+02:00

Rebelle par l’esprit, enfant de chœur par la voix, à cinq ans déjà Florent Pagny chantait à tue-tête les tubes de Luis Mariano ... Debout, sur la table ! Après une enfance agitée, le garçon quitte sa petite école de Châlon sur Saône pour tenter sa chance dans la capitale. Il a à peine 15 ans et la vie parisienne s’annonce difficile. Heureusement, un atout renversant lui ouvre les portes du Conservatoire de Levallois-Perret : une voix qui s’étend sur six octaves. Pendant trois ans, Florent jonglera entre les cours de chant classique et les petits boulots.

Un soir, il rencontre Gérard Louvin, le futur producteur de Sacrée Soirée et Les Années tubes. Les deux hommes passent un pacte : dans quelques années, Louvin produira l’album de Pagny. Mais le jeune homme est vite rattrapé par sa destinée. Alors barman dans une boîte de nuit parisienne branchée, il est repéré par Dominique Besnehar, directeur de casting qui cherche un personnage pour Diva, le prochain film de Jean-Jacques Beineix. Florent se voit déjà dans ce rôle sur mesure, celui d’un petit facteur fou d’opéra. C’est non. Mais le casting le révèle à Marceline Lenoir qui deviendra son agent exclusif. Sept ans plus tard, il rafle trois prix d’interprétation pour La Nuit du coucou de Michel Favard (1987).

La gloire donc. Oui mais voilà : Florent veut être chanteur. Il gagne la confiance de banquiers qui lui accordent un soutien financier suffisant pour lui permettre de composer son premier morceau, N’importe quoi, évidemment produit par Gérard Louvin.

Gérard a tenu parole. Florent, lui, ne va pas tenir sa langue. Son deuxième titre, Laissez-nous respirer (1988), s’adresse aux « faux » grands de ce monde et irrite la critique. Plus tard, dans Presse qui roule, extrait de son premier album Merci (1990), il dénonce les journalistes qui traquent à sa vie privée - avec Vanessa Paradis, rencontrée deux ans plus tôt. Une guerre est déclarée, dont Florent ne sortira pas indemne : les médias le boycottent pendant quatre ans. Des années difficiles, encore compliquées par une rupture et des soucis fiscaux. L’homme s’isole dans la cave de sa maison de banlieue. Il en sort avec un deuxième album au nom prometteur, Réaliste (1993).

Le chanteur a gagné en maturité et compte bien se refaire une santé. Son remède : la collaboration. Il va chercher la crème des crèmes, Jean-Jacques Goldman, qui compose pour lui trois titres phares : Si tu veux m’essayer, Loin et Est-ce que tu me suis ?. En 1994, l’album Rester vrai apporte un nouvel élan. Il s’accompagne d’une rencontre avec Azucera, argentine et artiste peintre, la future mère de ses deux enfants Inca et Ael. Florent oublie amertume et rancœurs, troque sa langue percutante pour des textes chaleureux. Pour preuve, les titres des nouveaux albums : Bienvenue chez moi (1995) et Savoir aimer (1997), écrit par Pascal Obispo. Désormais, Florent veut se faire l’interprète des autres compositeurs – RéCréation en 1999, Châtelet les Halles en 2000 – et va se livrer à une série de duos flamboyants avec Obispo (encore et toujours), Axel Bauer, Eddy Mitchell, Lara Fabian ou Calogero, réunis dans l’album 2 en 2001. Sa notoriété retrouvée, l'artiste ose un nouveau texte anticonformiste, Ma liberté de penser (Ailleurs land, 2003). Il y chante ses difficultés avec l'administration fiscale, qui l’a fait condamner à six mois de prison avec sursis et 15000 euros d’amende pour fraude.

Courage, fuyons… Il trouve sa liberté en Patagonie, région d’origine de sa femme. Depuis 2003, Florent cherche à élargir son univers musical. Alors que Baryton (2004) réunit les plus grands airs d’opéra, Abracadabra (2006) profite des prestigieuses collaborations de Gérard Manset et Christophe Miossec. Enfin il reprend les airs de Brel (Pagny chante Brel, 2007) avant de sortir son dernier album C’est comme ça, en mai 2009. Le chanteur y retrouve sa verve autobiographique et nous livre son bonheur argentin. Happy ending ?

Publié sur Allomusic

Biographies

2009-10-05T13:46:00.000+02:00

Sammy Decoster

Jason Mraz

Calogero

Cl aud e François

Polka: "la galerie, c'est le mag qui s'expose"

2009-09-28T20:48:00.009+02:00

Ce mois de septembre marque l’emménagement de Polka, magazine et galerie, rue Saint-Gilles dans le 3e arrondissement de Paris. Au lendemain du vernissage de l’exposition « Droit dans les yeux », Dimitri Beck, rédacteur en chef, explique le projet.

Dans un dernier filet de lumière, les jeunes arbustes de la Cour de Venise semblent défier l’été qui s’achève. Tout juste réhabilité, l’espace renait à la vie et accueille ses premiers occupants. Mais si l’envoutement italien délivre sa douceur de vivre, le charme reste très parisien. Au cœur du Marais, une petite boutique embrasse la rue Saint-Gilles. A l’intérieur, quelques tirages inaugurent la peinture fraîche. Un avant-goût. La suite se découvre en parcours fléché ouvrant sur un havre de paix. Dans une cour pavée, classée 17e siècle, siège une halle aux allures d’atelier. Elle déploie son exposition sur deux étages, entre la lumière d’une verrière et la douceur d’un sous-sol. Située au fond de la galerie, la rédaction mise sur la convivialité. Une situation qui s’est imposée d’elle-même lors du déménagement.

photo: Abbas

Dès son arrivée dans les anciens locaux, rue Oberkampf, l’ambition de Polka était ailleurs : « On voulait un espace plus central, où les galeries photos drainent les visiteurs. Surtout, on cherchait un espace qui représente la personnalité de Polka », confie Dimitri Beck. D’ailleurs, le vernissage était vécu comme un défi. En ce soir du mercredi 16 septembre, photographes, journalistes, représentants d’agences mais aussi éditeurs et libraires sont venus découvrir le nouvel espace Polka. Le but : réunir ceux qui agissent pour le soutien de la photo et du photojournalisme. Au total, environ 1500 personnes ont répondu présent. Parmi elles, Jack Lang, ancien ministre de la culture, ou Alain Delon… Tous se disent enchantés, même les aficionados de l’ancienne galerie.

photo: Paolo Pellegrin

Car le projet Polka se veut un tour de force dans le monde de la photo. Le principe : les photographes publiés dans le magazine sont visibles dans la galerie pendant la durée du numéro en cours. « La galerie, c’est le mag qui s’expose ». Et cela va bien au-delà de la maison-mère. En travaillant avec des partenaires, Polka se concentre sur deux choses : faire vivre le fond des photographes qui ont déjà été publiés et apporter une actualité. Jusqu’au 31 octobre par exemple, l’hôtel Sofitel propose les clichés de Cathleen Naundorf et de trois autres ex-Polka dans une exposition sur la mode. Un côté paternaliste pour une rédaction qui se veut familiale. Mais au fait, comment entre-t-on à Polka ? « On fonctionne à tous les niveaux. On reçoit des porte-folio et de notre côté, on reste extrêmement informé sur ce qu’il se passe pour aller vers les photographes. On propose aussi des co-productions sur des sujets précis », explique le rédacteur en chef. « D’ailleurs une commande sur un sujet en Afrique sub-saharienne est en cours », ajoute-t-il à demi-mots. Surtout, la rédaction exige une démarche mêlant plusieurs disciplines. « Raconter une histoire, celle du monde d’aujourd’hui, parler de ses contemporains et de leur vie, là est l’intérêt de Polka. Peu importe si le photographe n’est pas un photojournaliste, l’essentiel est qu’on ait un regard pertinent sur un peuple».

photo: Cathleen Naundorf

Jusqu’au 7 novembre, Abbas, Paolo Pellegrin, Cathleen Naundorf et Hans Silvester, nous proposent de traverser l’Iran, les sociétés en guerre, la haute-couture mais aussi les terres lacustres de la Camargue. A côté de ces pointures de la photo, Mickaël Bougouin et Steven Siewert s’annoncent très prometteurs. Avec les plages d’Iran d’une part et l’Amérique rockabilly d’autre part, Polka mélange les genres comme les tirages. Originalité délibérée ou marché entre photographes ? « La taille des tirages dépend du type de photo. On tâche également de respecter le format voulu par le photographe. En revanche, la quantité dépend de la notoriété et de l’histoire racontée. Par exemple, une rétrospective sur Klein qui a 70 ans de carrière impose une certaine quantité de photos. A l’inverse, on préfère privilégier la qualité pour un photographe encore inconnu », explique Dimitri.

photo: Steven Siewert

Cette fois-ci, la galerie Polka raconte aussi une autre histoire : celle de Christian Poveda, également exposé. Une de ses images trône en grand format face à la porte d’entrée. Elle a été généreusement prêtée par son ami Alain Mingam, avec qui il partageait un appartement parisien. Le cliché s’accompagne d’un texte hommage : « Tu aurais du arriver hier. Le verre est vide en t’attendant […] ». Eminemment solennel…

photo: Christian Poveda

Publié sur Photojournalisme.fr

Biographie: Manu Larrouy

2009-09-28T20:43:00.003+02:00

Manu n’aime pas qu’on écorche son nom. Larrouy se dit « Larrouille » et c’est une heureuse méprise : entre l’être et le paraître, le corrosif et le bling-bling, le chanteur joue avec les mots et déjoue son monde. Ni PD, ni juif, ni vendeur de spliffs, Alors qui ?

Sa seule appartenance se dessine sur les pierres de la ville rose, Toulouse. Ado, il décide d’apprendre la guitare sur les airs de Téléphone, U2 et Dire Straits avant de rejoindre la fanfare de Nouméa – service militaire oblige. Là, il rencontre le major du Conservatoire de musique. Le hasard comme par hasard : les deux hommes sont voisins de chambrée ! Grâce à lui, Manu apprend le solfège et les techniques classiques. Pendant son temps libre, il squatte les douches de la caserne pour profiter de leur acoustique et s’entrainer. Encore et encore. Son objectif : franchir lui aussi les portes du Conservatoire. Pari tenu.

Une bonne technique en poche, Manu doit désormais trouver son style. Concerts et vagabondages le conduisent sur les pas de Matthieu Chedid et Olivier Lude. Des rencontres opportunes qui lui permettent de trouver sa voix. Elle prendra forme définitive en 2003 avec un album, Intérieur bout d’ficèle, autoproduit dans une cave toulousaine. Trois ans plus tard, il est proclamé « découverte » aux Francofolies de La Rochelle. L'artiste prend alors l'autoroute direction les Transmusicales à Rennes mais un terrible accident lui impose de longs mois de convalescence. Le moral finit par prendre le dessus. Il termine son premier album tout en écrivant le single de Maya Barsony, "La Pompe à Diesel". Et ne tarde pas à passer la seconde !

Diam’s découvre le chanteur dans Bête de Scène, un documentaire de François Pécheux qui croisait son parcours avec celui de Cali et Manu Larrouy aux Francofolies. La rappeuse, directrice artistique de Motoun, s'enthousiasme pour les textes de Manu. Outre-Manche, il dégote Mike Pelanconi, producteur artistique de Lily Allen ou Graham Coxon. L’album "Mec à la coule" est enregistré à Londres pendant l’été 2008 et sort en France en mars 2009.

Son titre phare, "Mec à la cool", est une véritable déclaration de foi. Dans un savoureux mélange de chanson française et de pop, l’artiste s’étonne de l’avènement d’une nouvelle société. Sa technique de frappe : une nonchalance poétique, fixée par des textes ciselés et polis aux mots près. Manu dénonce et aime sur des rythmes chaloupés aux sonorités reggae. Simplement coooool.

Publié sur AlloMusic

Biographie: Sammy Decoster

2009-09-25T09:47:00.004+02:00

Si les cordes d’Elvis Presley n’étaient pas venues lui chatouiller les tympans quand il était petit, Sammy Decoster aurait été garde forestier dans sa Normandie natale. Peu surprenant pour un homme qui ne peut composer sans Dame Nature à ses côtés. La solution : un malicieux partage entre la fac de géographie et la guitare. Jusqu’au jour où il croise la route d’Ultra Orange. Un peu de blabla, de la gratte, de l’alchimie et hop, emballé ! Le jeune premier devient le guitariste scénique du groupe. Parallèlement, il monte un trio au nom révélateur de Tornado. Car avec son minois d’enfant de chœur, Sammy est un faux-sage. Sa Licence de géo en poche, il décide de lâcher ses ambitions de gardien des bois pour pousser la chansonnette en solo. Mais rapidement, l’artiste se heurte à la réalité. Nous sommes en 2004 et le monde du disque déraille un peu. Le jeune homme décide d’attendre gentiment son heure. Pendant cinq ans, il travaille comme éducateur dans un foyer pour handicapés et malades mentaux, à Montfermeil.

Entre le foyer et les paysages bucoliques, il rêve d’un ailleurs. Direction le Grand Ouest et ses pick up dévalant la route 66 bordée de motels décatis. Au magnéto, Johnny Cash électrise l’ambiance. L’artiste trouve son univers musical outre-atlantique, dans les grands espaces peuplés de fantômes évanouis. Les pieds sur terre la tête dans les étoiles, il écrit et met en maquette ses premiers morceaux.

Son originalité le conduit tout droit chez Barclay. Sammy débarque à la maison de disques avec une première version de «Tucumcari», encore fébrile et incertain. Pour que l’album arrive à maturité, il s’entoure des musiciens de M83 et d'Arman Méliès. Un choix stratégique, quand on sait que ce dernier compte Yann Arnaud - collaborateur de Syd Matters entre autres - parmi ses producteurs. Réalisé à la fois à la maison et en studio, « Tucumcari » sort en janvier 2009, faisant de Sammy Decoster un nouveau maître de la verve musicale.

Habité par la tradition de la musique noire américaine, il jongle entre mélancolie et fièvre magnétique. Country, blues et rock endiablé se côtoient pour former une véritable palette musicale. Mieux, avec des textes intimistes et contemplatifs – en français, s’il vous plait ! – Sammy est un frenchy perdu entre deux rives. Ou presque. Car le chanteur ne quitterait son fief normand pour rien au monde. Il avoue même qu’à défaut de la musique, il travaillerait bien dans une ferme !

Publié sur AlloMusic

Biographie: Kenza Farah

2009-09-23T11:24:00.004+02:00

Kenza Farah est jeune, belle et chante comme une reine. Issue des quartiers chauds de la ville de Marseille, elle se donne des airs de princesse des rues. Cheveux lissés, teint parfait, maquillage chatoyant et sourire d'ange : elle mêle féminité, audace et force de vie. La chanteuse fait partie de cette nouvelle génération qui fait de la musique un exutoire. Un parcours qui laisse rêveur. Ou qui agace.

Il y a dix ans, une ado pétillante et dynamique enflammait les guinguettes du 15ème arrondissement de Marseille. Son prénom, Farah, souligne ses origines algériennes. Une graine de star, assurément. C’est sans surprise qu'elle participe avec succès à une série de concours de quartier. Son titre phare, « D’amour ou d’amitié », lui vaut d’être surnommée « La petite Céline Dion ». Surtout, Farah est remarquée par Sofiane Drif de Dugny qui l’invite à enregistrer quelques morceaux en studio. Pour ça, elle décide d’inventer ses propres chansons.

Fini le temps des vocalises sur la célèbre chanteuse québécoise. La jeune artiste trouve son inspiration dans le R’n’b et le Raï qui lui sont chers. A nouveaux rythmes, nouvelle image : elle prend son deuxième prénom, Kenza (trésor en algérien), comme nom de scène. Ses premiers morceaux tournent de bouches à oreilles, avant d’atteindre la sphère du web. Grâce à son Skyblog, elle conquiert des fans dans la France entière. Cette fraîche popularité n’échappe pas à Abdel B, producteur pour le label naissant Karismatik. En décembre 2006, la chanteuse signe son premier album, « Authentik », qui se targue de la participation de Big Ali, Sefyu et Idir. Sorti dans les bacs le 11 juin 2007, il est classé disque d’or en deux semaines.

Avec sa voix claire et suave, Kenza chante le monde qui l’entoure. Je me bats, Sous le ciel de Marseille, Les enfants du ghetto, ses paroles sont celles d’une petite fille de la rue. Les fans s’identifient à ses épreuves comme à son courage. Tellement sincère, universel. Dans la lignée d’Amel Bent, Wallen ou Kayna Samet, elle trouve son public. En mars 2008, à l’Olympia, la Cérémonie des Trophées de Virgin 17 lui décerne celui de l’artiste R’n’b de l’année. Kenza voit rose et rien ne l’arrête. Pas même un accident de voiture en sortant de l’enregistrement de son deuxième album. La presse gonfle l’évènement pendant que certains l’accusent de vouloir faire parler d’elle. Mais, fidèle à elle-même, la jeune femme fait la sourde oreille. Dans un bastringue de mauvaises langues, elle sort son album « Avec le cœur » le 17 novembre 2008. Il est classé double disque d’or en six mois. De toute évidence, Kenza n’a pas fini de se battre !

Publié sur AlloMusic

2009-09-22T09:56:00.001+02:00

Hors-champ : le photojournalisme face à son public

Le ramdam de ces derniers mois nous le confirme : le photojournalisme est en crise. Pourtant, cette année encore, Visa pour l’image, festival international de photojournalisme unique en son genre, a attiré de nombreux visiteurs. A l’unanimité, ces personnes viennent pour « voir des images qu’[elles] ne voient pas ailleurs ». Alors justement, comment ce public perçoit-il le photojournalisme ?

Soyons clair, pour la plupart des visiteurs, un photojournaliste est d’abord et principalement un reporter capable de partir loin et d’affronter les pires conditions pour réaliser son sujet. Vous avez l’habitude de photographier les manifs, les rencontres présidentielles ou même la foire aux choux du village ? Sachez qu’une grande partie du public ne se demandera pas si le sens du cadrage est votre métier. Le photojournalisme, c’est avant tout de l’exotisme et du poignant. Et puis après, effectivement, en y réfléchissant…

Problème fondamental : le public a une mauvaise connaissance du photojournalisme, et dans la presse, les images sont perçues comme secondaires. Ce constat, les lecteurs le font eux-mêmes. Entre amertume et résignation, prise de conscience et interrogations, le photojournalisme suscite la polémique.

« Si un magazine propose un reportage fouillé avec plusieurs photos, alors bien sûr je les regarde. Pour moi, les images sont même au cœur du sujet. Par contre, si c’est un article d’actu avec une image de manif par exemple, je ne m’arrête pas dessus ». Quand on sait la place accordée aux reportages dans les magazines, on mesure rapidement l’ampleur du problème. Les images de news ne sont généralement pas regardées et ce, paradoxalement, parce qu’il y en a trop et qu’elles se ressemblent toutes : « On voit beaucoup d’images de guerre et ce sont toujours les mêmes. Je me rends compte qu’il y a des images qu’on ne voit pas ». Trop de news tue le news et surtout, le risque d’une telle banalisation est la perte définitive de la sensibilisation du public.

Car finalement, le public n’est-il pas lui-même victime d’un choix éditorial ? Les lecteurs ont conscience que leur accès à l’image est largement orienté par le magazine. Certains déplorent la faible quantité de photos. Une ou deux images ne suffisent pas pour illustrer un sujet. La dénonciation est virulente : « En faisant cela, on canalise le ressenti. On en a marre de l’assistanat visuel ! » La solution ? « Les journaux devraient profiter d’internet pour mettre en ligne une sorte de porte folio sur les sujets publiés. Ce serait un parfait complément. » Pour d’autres, le fond du problème n’est pas tant la quantité que la qualité. Les magazines négligent le photojournalisme en proposant aux lecteurs des images quelconques, sans aucun souci esthétique ou informatif. Les photographies d’actualité basculent dans de l’illustration basique. Quelques lecteurs sont même choqués par le décalage entre l’image et le texte qui l’accompagne. Alors une question de déontologie émerge : « Est-ce que le mec qui fait les photos est au courant qu’il est utilisé comme ça ? Est-ce qu’il a au moins le droit de choisir sa photo ? Parfois je me le demande… » . Et quand l’image perd de sa signification, elle ne reste plus qu’un objet visuel comme le souligne une autre lectrice : « Il y aura toujours une place pour le photojournalisme parce que tout est visuel dans un journal ou un magazine. Mais il y a moins de place pour leurs œuvres au sens propre du terme ».

Tout est visuel et le photojournalisme se perd dans un tourbillon de couleurs. De rares lecteurs prennent le problème à bras le corps : « On s’attend à ce que les magazines mette les images en valeur mais il y a une concurrence visuelle. Les photos sont rongées par la publicité et une logique marketing ». Prendre conscience de cette réalité est déjà un point de départ, même si la passivité du lecteur reste un inéluctable fléau pour le photojournalisme. Si certains d’entre eux mesurent la place accordée au média, d’autres n’y ont malheureusement jamais réfléchi. Alors pourquoi viennent-ils à Visa ? Pour voir des images qu’on ne voit pas ailleurs et surtout, parce que Visa pour l’image est une exposition. Quand des images de presse sont présentées en grand format avec un editing et un fil narratif, le visiteur se concentre sur le sens et le contexte de chacune d’elles. Surtout, une exposition permet d’humaniser le photojournalisme : « A travers une exposition, on réalise davantage qu’il y a un homme derrière l’objectif et que cette personne était à cet endroit précis. » Cependant, excepté Visa, les expositions de photojournalisme ne les attirent pas particulièrement. Car dans les actes, on constate que le photojournalisme n’est pas encore une priorité. Très peu de lecteurs achèteraient plus chère une revue avec de belles images d’actualité et des sujets de fond : « A partir de 7 euros, une revue est au prix d’un livre. Je préfère mettre l’argent dans une livre, ça n’a pas la même valeur. »
Tout est là. Pour le public, la presse n’a pas la même valeur que l’édition ou qu’une exposition. Pourtant, comme son nom l’indique, le photojournalisme n’est-il pas originellement destiné à avoir sa place dans un journal ? Et si la presse était en train de scier la branche sur laquelle elle est assise…

Photos: Julien Cassagne avec iphone

Publié sur Photojournalisme.fr

Sur le chemin de Visa: réactions sur le vif...

2009-09-14T11:39:00.006+02:00

Pendant les deux heures de déambulation qui leur étaient accordées, nous avons suivi les élèves du Collège Jean Moulin d’Arles sur Tech lors de leur première rencontre avec le photojournalisme. Réactions sur le vif…

Quand on a 15 ans et qu’on vient voir des images, lire le projet du photographe ou même les légendes est une futilité. Du moins au début. Car les élèves mesurent rapidement les risques d’une mauvaise interprétation. Comprendre la démarche du photographe est essentiel pour ne pas dire indispensable. Même si finalement, le choix de l’exposition ne relève que de la sensibilité de chacun.
Sans se faire attendre, Eugene Richards suscite des réactions épidermiques. « Ce qui est incroyable dans ces photos, c’est qu’on puisse mourir ou vivre avec une moitié de crâne. Tout ça juste pour sa patrie ». Delphine et Anaïs sont troublées par le sens profond des images et par l’horreur des hommes qui ont fait le sacrifice d’une vie. Ici, l’émotion est à son apogée. Quelques couloirs plus loin, Tristan et Clément sont beaucoup plus terre à terre. Ils se concentrent sur l’exposition hommage à Françoise Demulder et son aspect documentaire. « La photographe a une renommée et ça me touche qu’elle soit morte. Là, il y a des photos de guerre et pour moi, la guerre c’est l’Histoire. »

Mais, si la guerre est incontestablement historique, deux autres camarades préfèrent l’humour de Drachev aux lignes de front. « On ne voulait pas voir la guerre. Quand la prof nous a dit qu’il y avait un sujet sur l’humour, on a voulu le prendre. Même si parfois, il y a des photos où on ne comprend pas pourquoi c’est drôle… »Bien souvent, le sens des images échappe à ces jeunes visiteurs. Au détour d’une exposition, une conversation résonne. Deux élèves sont prostrées devant une image de Brenda Ann Kenneally. Sur la photo, une jeune femme vient d’accoucher. « Elle est heureuse ou pas ? / Comment tu le vois ? / Bah sur la photo, elle ne sourit pas. / C’est pas parce qu’elle sourit pas qu’elle n’est pas heureuse. / Oui, mais la légende nous dit pas si elle est heureuse ou pas, alors… »Alors… Les jeunes ont tendance à préférer des images construites, peu déstabilisantes. Chez Brenda Ann Kenneally, une élève s’interroge devant la photo d’une fillette dormant avec un journal sur la tête : « Elle a posé pour la photo ? Ca me dérangerait pas qu’elle ait posé. Moi je préfère une photo construite et jolie qu’une photo où c’est flou, où on ne comprend pas trop ce qu’il se passe. »

Entre raison et émotions, les élèves s’approprient lentement le média photojournalistique. Comme chaque année pour Mme Paingault et son collègue, la journée à Visa est forte en émotions. Le travail peut alors commencer. Cette première approche est un éveil à la sensibilité et à la subjectivité, même si, pour notre plus grand plaisir, certaines opinions sont déjà bien assumées : « Obama, C’est bon ! Il est riche, il est heureux… Moi je préfère voir autre chose ! »

photos: Julien Cassagne avec iphone

Publié sur l'Edition spéciale Visa pour l'image de Photojournalisme.fr

Sur le chemin de Visa: découverte du photojournalisme

2009-09-14T11:02:00.005+02:00

Pour ces élèves de 3ème, Visa pour l’Image et l’idée même de photojournalisme est une découverte. Avant de venir au festival, Mme Paingault leur a parlé du triste destin de Christian Poveda. «On peut mourir pour ce métier !» s’est exclamé l’un d’entre eux.
Déjà, ils réalisent que le photojournalisme est une affaire d’engagement et de convictions. La professeure profite de cette réaction pour poser un sujet de rédaction à faire dans l’année : la liberté de penser est-elle mortelle ?

Car plus que tout, ces jeunes comprennent qu’il y a un homme derrière les images et que chacune d’elles comporte un message. L’essentiel pour Mme Paingault est de savoir décrypter la subjectivité d’une photographie. Alors que les parents d’élèves craignent la violence de certaines images présentées à Visa, cette dernière mesure le risque d’une lecture passive : « le vrai problème est qu’il n’y a pas d’éducation à l’image, ce qui peut être grave. Il faut expliquer le sens d’une image, son contexte. Alors on peut tout voir, quelque soit l’âge. Le regard, ça se construit, de même que la sensibilité ».

Précisément, deux années de suite, des jeunes filles ont pleuré devant une image. A l’inverse, les garçons préfèrent se donner des airs de caïds en masquant l’émotion par le rire. Peu importe, pour les professeurs, la sensibilisation fait son travail. Pour preuve : l’intérêt des élèves pour les questions d’éthique. « Comment on a pu photographier ça ? » s’interrogent-ils. Le pas est franchi. A la fin de l’année, certains d’entre eux veulent même devenir photojournalistes. C’est le mieux qu’on puisse leur souhaiter.

vidéo / montage: Alain Lebacquer

Photos: Julien Cassagne avec iphone

Publié sur l'Edition spéciale Visa pour l'image de Photojournalisme.fr

Sur le chemin de Visa: pédagogie et photojournalisme

2009-09-13T22:19:00.020+02:00

Visa pour l’image ouvre ses portes aux scolaires. Cette année, nous avons suivi deux professeurs et leurs classes de 3e. Une manière de voir en quoi une pédagogie autour du photojournalisme permet une véritable ouverture sur le monde.
Pour les élèves du Collège Jean Moulin d’Arles sur Tech, la culture n’est pas une priorité. La majorité n’a jamais mis les pieds dans une exposition et l’actualité en général se résume aux résultats de l’Union Sportive Athlétique Perpignanaise – USAP. Selon Mme Paingault, ce qu’on peut pardonner à de jeunes ados est inacceptable pour de futurs citoyens. Ayant suivi une formation au CLEMI (Centre de Liaison de l’Enseignement et des Médias d’Information), cette professeure de français accorde une grande importance aux enjeux d’une image de presse.

Depuis plusieurs années, accompagnée de Mr Gorée, professeur d’Histoire, elle emmène ses classes de 3e à Visa pour l’image, point de départ d’une véritable démarche pédagogique. Ne bénéficiant d’aucun budget de l’Etat, les deux professeurs usent de leur enthousiasme pour mobiliser une participation du collège. L’établissement finance le transport en cars jusqu’au site. Pour le reste, les enseignants doivent compter sur leur énergie.

Ils travaillent en binôme dans un seul but : développer l’esprit critique de ces jeunes. Entre lecture d’images et interrogation sur l’actualité internationale, le photojournalisme devient un nouveau moteur d’éducation.

Un projet pédagogique en béton

Cette année, le programme de littérature est en partie basé sur l’engagement. Mme Paingault a décidé de développer ce thème en passant par le prisme de la photo et du photojournalisme : « on peut tout faire avec une image de presse, à la fois sur le plan didactique, discursif ou analytique ».

Elle envisage le photojournalisme comme un média d’utilité publique. Pour cette raison, son travail se déploie sur l’année entière, alla

nt de la prise de conscience à la mobilisation des élèves.

Photojournalisme et littérature

Tout commence avec une journée à Visa pour l’image. Là, les élèves ont deux heures pour parcourir le Couvent des Minimes à leur gré. Au préalable, ils ont choisi une exposition en fonction du sujet abordé par le photographe. Mais une fois sur place, l’émotion submerge la raison. C’est le cas de Delphine et Anaïs qui

sont saisies par le travail d’Eugene Richards. Au dernier moment les jeunes filles changent de sujet et se mettent à remplir la fiche d’analyse distribuée par la professeure.

Ce premier travail consiste à faire une lecture d’image selon différents repères tels que le titre, le thème, la légende, la couleur mais aussi le ressenti. Mme Paingault se concentre sur la subjectivité de chaque image et incite ses élèves à en avoir une lecture toute personnelle.

Mr Gorée, lui-même spécialisé en cinéma, les sensibilise à l’esthétique scénique d’une image. Il travaille sur une mise en parallèle des deux supports photo et cinématographique afin d’analyser le sens du cadrage par exemple.

Le but de cette première approche est de voir en quoi il existe un véritable langage photographique. En s’intéressant à une image de presse, les élèves doivent sortir du système narratif classique pour saisir les différentes formes d’argumentation. Comprendre et analyser l’engagement du photographe force les élèves à élargir leur vocabulaire et à développer un langage abstrait. L’image devient alors un objet littéraire qu’il s’agit de mettre en mots.

Photojournalisme et curiosité
Mais surtout, le photojournalisme est une ouverture sur le monde. Bien souvent, Visa pour l’image constitue un déclic pour les élèves qui se voient confrontés à une série d’images qu’ils n’ont pas l’habitude de voir. La surprise laisse place à la curiosité qui suscite l’intérêt. Ainsi peu à peu, ces jeunes sortent de leur microcosme et développent un nouveau rapport à l’actualité.

Mme Paingault encourage ce travail presque inconscient en créant des ateliers. Toutes les semaines, dix minutes de tribune libre incite un élève à faire partager son ressenti sur un évènement de l’actualité régionale, nationale ou internationale. Puis, par le biais de collages et de commentaires personnels, ils collectent les informations sur l’année 2009-2010 et constituent leur « Journal de bord des nouvelles du monde ». Ce travail sur l’actualité et le photojournalisme se poursuit avec la semaine de la presse. Là, ils créent un « mur d’images » sur un thème précis comme la représentation des femmes au travers de la publicité et du monde des images en général, par exemple.

Le photojournalisme pour de futurs citoyens du monde.

En plaçant le photojournalisme au centre de sa démarche pédagogique, Mme Paingault cherche à faire prendre conscience des images et de leur implication dans la société. Les élèves mesurent la force argumentative de certaines photos et apprennent ainsi à développer leur esprit critique. Ils saisissent l’engagement du photographe et apprennent à écouter les réactions de chacun face à un sujet d’actualité.

Parce qu’une image se joue de la subjectivité du photographe comme de celle du destinataire, ce média incite à la sensibilisation et à la tolérance. La professeure remarque les progrès effectués sur l’année scolaire. Entre les premières sensibilisations et l’intérêt manifeste à la fin de l’année, nos jeunes ados ont fait un pas dans la citoyenneté.

caméra / montage: Alain Lebacquer

Photos: Julien Cassagne avec iphone

Publié sur L'édition spéciale Visa pour l'image de Photojournalisme.fr

Visa pour l'image: Eugène Richards, les âmes brisées de l'Amérique

2009-09-11T19:36:00.004+02:00

Dans son travail "War is personal", Eugène Richards explore les conséquences de la guerre en Irak sur les soldats américains : un impossible retour à la vie.

En mars 2003, l’armée américaine envahit l’Irak pour la seconde fois. Dans les faits, la guerre se lit sur le plan géopolitique, se calcule en nombre de morts et de tirs de roquettes. Pour les milliers d’anciens combattants, les séquelles physiques et psychologiques dépassent toute évaluation. Ils vivent la guerre au quotidien dans un fauteuil roulant ou assommés par la culpabilité. Eugène Richards part à leur rencontre et visite ce désespoir. Loin des combats et des bains de sang, ses images sont d’une extrême violence, presque insoutenables. Les stigmates de la guerre restent à jamais imprimés dans le corps de ces hommes qui ont cessé de vivre en prenant les armes.

Là, un homme estropié joue avec sa fille. Ailleurs, un autre doit désormais vivre sans la partie droite de son cerveau. Entre les larmes et les cicatrices, l’horreur ne trouve pas de mots. Les images se regardent l’âme en deuil, dans un silence outre-tombe. Précisément, des tableaux noirs séparant les différentes histoires rythment la visite. Et invitent au recueillement.Eugène Richards ne commente pas ses photos. Le respect l’en empêche. En laissant la parole aux familles ou aux victimes, il pénètre dans l’intimité du témoignage. Le passé est indicible, l’avenir inconcevable. Alors, quand le suicide ne vient pas libérer ces âmes brisées, il reste le conditionnel. Cette année à Visa, l’exposition War is personal n’est pas passée inaperçue. Eugène Richards fait parler ses images comme jamais, laissant la part belle à la subjectivité du visiteur.

Publié sur l'Edition spéciale Visa pour l'image de Photojournalisme.fr

crédit photo: Eugène Richards

Visa pour l'image: Brenda Ann Kenneally, l'oeil derrière le miroir

2009-09-11T15:46:00.004+02:00

Brenda Ann Kenneally est la lauréate 2008 du Prix Canon de la femme photojournaliste. Son reportage Upstate Girls, ce qu’il advient de Collar city, est un témoignage de la misère aux Etat-Unis.

Elles s’appellent Diana, Kayla ou Roseanne. Elles ont entre un et sept enfants et travaillent plus de 40 heures par semaine dans un fast-food ou un supermarché. Ce quotidien aurait pu être celui de Brenda Ann Kenneally. A 16 ans, la photographe décide de quitter Troy, ville de l’Etat de New York, une des plus importantes de la révolution industrielle. Des prises de vue pour un reportage du Times magazine la conduisent à proximité de son quartier d’enfance. Elle y découvre l’abandon et l’exclusion, symptôme des classes ouvrières de la ville. Pendant que les hommes multiplient les séjours en prison, les femmes s’oublient entre travail, enfants et bien souvent, un autre type de séjour en cure de désintoxication.Aujourd’hui, Brenda regarde la vie de ces « upstate girls » – filles du nord, ndlr – comme son propre reflet. A travers ce reportage de cinq ans, elle a laissé une énergie visible. Et une esthétique toute personnelle.

La photographe est un oeil derrière le miroir. Elle pénètre l’intimité de ces vies qui n’ont jamais appris à vivre, précisément. Les adultes baignent dans la violence et le désoeuvrement. Les plus jeunes, livrés à eux-mêmes et sans éducation, sont voués à reproduire le schéma. Une condamnation. D’ailleurs, les images se passent de légende. Brenda Ann Kenneally joue du contraste avec finesse. A renfort de clichés lumineux, c’est tout le réalisme de la douleur qui explose. Hier soir, la projection apportait un complément à l’exposition présentée au Couvent des Minimes. La série en noir et blanc renforçait l’aspect dramatique du document. Terriblement américain.

Publié sur l'Edition spéciale Visa pour l'image de Photojournalisme.fr

Crédit photo: Wilfrid Estève

Visa pour l'image: Zalmaï, le coeur de l'Afghanistan

2009-09-10T23:56:00.005+02:00

Dans son exposition Promesses et mensonges, le coût humain de la terreur, Zalmaï s’intéresse aux conséquences humaines de la guerre en Afghanistan. Ce matin, au Palais des congrès, le photographe a expliqué son projet.

Né à Kaboul, Zalmaï quitte l’Afghanistan en 1980 alors que les troupes russes envahissent le pays. Il y retourne 16 ans plus tard et retrouve un peuple abandonné aux mains de la guerre et de la terreur. L’histoire de cette population aurait été la sienne, s’il n’était pas parti.Dans le fond, ses images témoignent des conditions de survie de la population en terre afghane. Dans la forme, elles soulèvent une question beaucoup plus incisive sur le sens de l’information et du photojournalisme aujourd’hui.Le photographe a fait le choix de clichés en noir et blanc. Un caractère intemporel pour une situation qui s’enlise. En 2002, il avait fixé la joie et l’espoir de la population revenue d’Iran ou du Pakistan. Six ans plus tard, il apporte des images lentes et langoureuses, comme la vie de ces femmes au regard vide qui demeurent assises entre les pierres et les gravas.

Un jour, un homme lui demande pourquoi il le prend en photo. Le photographe répond qu’il veut être porteur de son message en faisant comprendre ce qu’il se passe en dehors des lignes de front. Il déplore l’aspect spectaculaire privilégié par les médias occidentaux. « Quand il y a des morts et du sang, je suis arrivé trop tard » affirme-t-il. Le problème est bien connu : on ne peut effectuer un bon reportage en étant seulement 3 jours sur le terrain. Argent et rapidité régissent le journalisme. C’est pourquoi Zalmaï conçoit son travail comme un sacrifice : « Il faut du temps pour entrer dans un sujet, du respect et de la persévérance. » Il se dit inquiet de l’avenir du photojournalisme guidé par des « news fast food ». Et son corolaire, les médias commettent des erreurs dans le choix des images. On ne s’intéresse pas aux raisons de la violence mais à ces effets. Alors, quand il décide de photographier des militaires, ceux-ci sont en repos, en vadrouille dans un camp de réfugiés ou en train de discuter avec un agriculteur. Tout est là. Les accusations du photographe à l’égard de l’Occident s’étendent aux responsabilités des Etats-Unis, de l’Angleterre ou de la France qui, pour répondre à des enjeux géopolitiques, entretiennent la situation.

Avec ses 46 clichés, Zalmaï espère une prise de conscience du grand public. Et si le parti-pris du photographe est évident, il a le mérite de soulever les bonnes questions.

Publié sur l'Edition spéciale Visa pour l'image de Photojournalisme.fr

Crédit photo: Wilfrid Estève

Biographie: Caravan palace

2009-09-10T23:53:00.004+02:00

Tout commence par un porno muet des années 20. Une boite de prod cherche à faire une bande-son pour le film. L'idée : mélanger du classique et du moderne. Charles, Arnaud et Hugo, trois amis férus de jazz manouche et respectivement contrebassiste, guitariste et violoniste, se prennent au jeu. Et c’est un déclic. Non pas les films… mais l’envie de former un groupe. Ils abandonnent leurs petits grattages solos pour revisiter les vieux rythmes du swing jazz. Le talent leur interdit de tomber dans le recyclage. L’audace les pousse à jouer des platines. Le résultat est foudroyant. Entre musique tzigane et électro, le trio compose son premier répertoire et trouve un nom à son image : « Caravan » pour le côté gitan, « Palace » pour la célèbre discothèque parisienne.
Loïc Barrouk, directeur du Café de la Danse, mesure aussitôt le potentiel des jeunes artistes. Grâce à lui, ils enregistrent leur premier disque. Peu à peu, la petite caravane écume les bars parisiens avant d’envisager de grimper sur les planches. Pour ça, elle s’encanaille d’un clarinettiste, Chapi, un tromboniste, Toustou et un DJ, Aurélien. Enfin, Colotis Zoé est la dernière arrivée. Impétueuse et colorée, la chanteuse incarne l’univers du groupe. Pendant un an, des bars de quartier aux grands festivals, Caravan Palace roule sa bosse en mode troubadour. De quoi se forger un caractère… et un public !
Après un buzz remarquable via le net, ces enfants de Django et Sanseverino sortent leur premier album. D’abord téléchargeable sur MySpace, il parait en CD sous le label Wagram en septembre 2008. Avec un titre éponyme, la joyeuse caravane marque définitivement les esprits. Tant est si bien que sa musique résonne déjà au-delà de nos frontières, un peu partout en europe. Une hybridation d’un nouveau genre, décalée, endiablée et funky jusqu’à la sève. Du « swing électro » dit-on. Ou Caravan Palace, tout simplement.

Publié sur AlloMusic

Biographie: Grégoire

2009-08-20T16:10:00.005+02:00

Grégoire serait-il une Cendrillon des temps modernes ? Le ramdam autour de son premier single nous pousse à le croire. Car si son succès ressemble à un conte de fée, la vie du chanteur a souvent manqué de magie.
Grégoire Boissenot a grandi à Senlis, en région parisienne. Avec une mère prof de maths et un père ingénieur, la logique le prédestinait à une carrière scientifique. Raté. L’enfant est mauvais élève, timide et fragilisé par le divorce de ses parents. Il se réfugie dans la musique. Son frère ainé lui apprend le piano et les tubes des Beatles. A huit ans, il découvre une vidéo du groupe : c’est décidé, il sera chanteur. Il imite Jean-Jacques Goldman, Jacques Brel, Elton John ou David Bowie. Mais entre le rêve et la réalité il y a un pas. Grégoire s’assure une licence de Langues Etrangères Appliquées, au cas où... Vient alors le temps des galères. Il perd son premier frère dans un accident de voiture ; puis, en 2007, le second se suicide. Grégoire en est profondément touché et se lance dans l’écriture de Toi+Moi, où il s’adresse à son frère disparu. Pour gagner sa vie, le futur chanteur multiplie les petits boulots. Le jour, il est barman, vendeur ou encore vitrier ; la nuit, il compose pendant des heures dans une chambre de bonne ou au fond d’un squat.
Grégoire crève la faim, mais continue à croire en ses rêves, en son destin – pour ne pas dire en « lui » ! Pour se lancer dans la musique, le chanteur tente de passer par les coulisses. Lors d’un stage chez Universal, il propose ses chansons à un talent scout, en charge du recrutement des nouveaux artistes du label. Non. Un refus qui ne décourage pas Grégoire. En 2007, il envoie la maquette de Toi+Moi au site MyMajorCompany ; premier label communautaire qui fait des internautes d’aujourd’hui les producteurs de demain. Grâce aux dons de 347 mécènes virtuels, il est le premier chanteur à sortir un single via ce type de production. Ironie de la vie : le site est en contrat avec Warner music, qui lui assure la promo. Dès lors écartés de la production du prochain album, les 347 découvreurs de Grégoire ne l'auront accompagné que le temps d'un unique CD.
Aujourd’hui, avec sa gueule d’amour et sa barbe de deux jours, il joue la carte du sentimentalisme, entre romantisme et fraternité. Après Toi+Moi il sort Rue des étoiles et Ta main. Cette année, les NRJ Music Awards ont récompensé le jeune premier dans la catégorie « Révélation française de l’année ». Finalement l’avis du public… ça peut donner !

Publié sur AlloMusic

Théâtre: La vie va où? de et par Michèle Guigon et Suzy Firth

2009-07-06T00:36:00.003+02:00

Michèle Guigon s'interroge beaucoup. Enfant, elle n'avait qu'un mot à la bouche : pourquoi. Pourquoi la vie, pourquoi la mort ? Pourquoi est-ce quand le coeur est vide qu'il est le plus lourd ? Et si le temps est un sculpteur, pourquoi on refuse d'être ses oeuvres ? Des questions tellement évidentes qu'elles en deviennent surprenantes.

La comédienne est une enfant poète. Elle nous conduit à travers des souvenirs de petite fille, ceux de tout le monde et auxquels on ne pense pas, ou plus. Dans un enchainement léger et vivant, elle offre une pyramide des âges aussi loufoque qu'humoristique. Tout en flirtant avec la caricature, le texte sonne remarquablement juste. Avec elle on grandit, on murit. On vieillit aussi. Des craintes émergent: la mort, la maladie. Le cancer. Des mots que l'on préfère taire de peur qu'ils entrent dans nos vies.

Michèle Guigon est une rescapée. Son témoignage navigue entre réflexion générale et confession intime. Et devient une leçon de vie. La comédienne ne parle finalement pas tant d'elle que d'un nous, et de tout ce qui construit, transforme ou brise une vie. Peu à peu, les " pourquoi " deviennent des " pour quoi ". Et si l'on ne sait pas où va la vie, elle trouve peu à peu son sens, dans le présent.

Michèle Guigon porte son optimisme contre son coeur : son accordéon, fidèle compagnon de voyage, lui rappelle la douceur de vivre, qu'elle nous fait partager en musique.

Le texte est drôle et pertinent, à la frontière entre poésie et philosophie. Jamais morbide. Une pièce émouvante, surprenante aussi, vitale en tout cas.

Publié sur CritikArt.Net

Ciné: Etreintes brisées de Pedro Almodovar

2009-05-30T18:38:00.003+02:00

De Parle avec Elle à Volver, le cinéma de Pedro Almodovar est une cascade de sentiments, aussi violents soient-ils, qui animent les hommes – et surtout les femmes. Avec Etreintes brisées, il tire au maximum les ficelles du mélodrame, frôle les limites du tragique, et caresse le sublime.

Mateo Blanco est un cinéaste de talent. Harry Caine écrit des scénarios de films qu’il ne pourra jamais voir. Vingt années séparent les deux hommes qui, en réalité, ne sont qu’une seule et même personne : un homme au destin brisé, condamné à tuer son moi originel pour continuer à vivre. Pendant un bon tiers du film une question nous taraude : que s’est-il passé ? Le film est un peu long à démarrer, mais pas d'impatience à avoir avec Almodovar. Les réponses émergent doucement à la lumière des souvenirs. Il suffit de se laisser porter et de jouir de l’intensité des scènes. Les émotions exacerbées nous transportent dans un univers consumé par le secret, la passion, la trahison, la culpabilité. Des thèmes forts que le réalisateur manie sans retenue, mais avec une finesse qui évite la saturation.

Une mémoire tronquée, une histoire d’amour tragique, une passion brisée : la vie de Mateo est un puzzle éclaté par la jalousie et la possession. Son récit, porté par la force d’une transmission père/fils, est une libération. Almodovar délaisse son hymne à la femme pour exhumer les méandres de la paternité. Une surprise autant qu’une réussite.

Avec pour fil rouge un film dans le film, c’est un hommage au 7e art que le réalisateur nous offre ici. « Les films, il faut les terminer, même à l’aveugle » conclut Mateo. L’orfèvre Almodovar a su, une fois encore, faire briller sa matière.

Publié sur CritikArt.net

Et aussi: Les chercheurs brassent du vent

2009-05-11T23:22:00.002+02:00

Les chercheurs brassent du vent… Et ils ont du mérite ! Sérieusement, essayez, Vous, de brasser du vent ! Pas sûre que vous y arriviez. A moins d’avoir comme eux le bagage nécessaire : un bon gros sujet de recherche inutile et beaucoup de fainéantise. Voilà… tout s’explique. Merci qui ?... Reconnaissons-le, à force de courir entre les préparations de cours, les corrections de copies, les directions de mémoires et de thèses, les soutenances, les jurys d’examen, l’élaboration de maquettes d’enseignement, les réunions et conseils d’UFR, du CNU et du CNRS… On finit forcément par brasser de l’air ! Sans compter que l’œil du cyclone nous transporte dans d’éternelles recherches (inutiles bien sûr !) ayant beaucoup de mal à sortir de la spirale infernale. Il faudra des années ! Pire, quand un fainéant inutile décide de souffler un peu, il provoque une rafale d’articles, de livres, de conférences, de colloques en France et à l’étranger… Non vraiment, il y a beaucoup trop de courants d’air dans nos universités ! Alors vite, on décide de fermer les portes, les fenêtres et de boucher les aérations… Quitte à étouffer ce joli monde ! Et lorsque nos têtes pensantes ne produiront plus qu’une fine vapeur éthérée, c’est toute notre énergie intellectuelle et culturelle qui hurlera à l’asphyxie. Alors oui, la recherche c’est comme le vent, on ne la voit pas avancer mais elle peut tout soulever sur son passage.

Publié dans L'étudiant autonome, n° 7, mai/juin 2009

Expo: Le grand monde d'Andy Warhol

2009-04-21T23:58:00.007+02:00

Le commissaire de l'exposition, Alain Cueff, voulait explorer la part incontournable du travail warholien : le portrait. L'idée était excellente. Encore fallait-il le faire, explorer. Car il faut bien constater que l'exposition n'est qu'une succession de 250 portraits classés par thèmes (les stars de cinéma, de la mode, de la politique, du monde de l'art...) Et rien qui ne définisse une véritable approche artistique ni qui n'aborde en profondeur ce personnage moins révolutionnaire que visionnaire.

Entre son autoportrait effectué à 20 ans et son obsession de la mort à la fin de sa vie - " The Big Electric chair ", symbole moderne de la crucifixion - Andy a multiplié les commandes. A l'origine de ce succès, le célébrissime tableau de Marilyn Monroe, évidemment présent. Warhol devient le " pape du pop ", une technique qui séduit les célébrités. Une flatterie avant tout : maquillage à outrance, suppression des défauts, le peintre revendique sa " philosophie de la retouche ", pour satisfaire une époque lancée à la recherche d'une beauté artificielle et sophistiquée.

Très vite, l'exposition devient répétitive, sans guide, et avec pour seul élément de compréhension des légendes minimalistes. Si bien que les tableaux défilent sous nos yeux jusqu'à l'écoeurement.

Seul moyen de lutter contre la lassitude : observer son rapport à la technique et son exploitation du portrait. Warhol utilise la photo comme base de son travail - photomaton et polaroïd - avant d'explorer la potentialité plastique du cinéma, une manière d'approcher la vie au plus près - série " Screen tests ". Enfin, la découverte d'un petit appareil photo, le Minox 35 EI, le conduit à effectuer des portraits plus spontanés, véritable projecteur de la vie mondaine des années 80. Mais il faudra tirer soi-même les conclusions. L'importance historique et sociologique de son travail n'est pas valorisée, ni -et c'est le plus grave- le regard cynique et désabusé que l'artiste portait sur son époque. Le Grand Palais réduit l'artiste à l'image, si galvaudée et superficielle, d'un artiste mondain. Trop facile. Du pur cliché.

Publié sur CritikArt.net

Ciné: Dans la brume électrique de Bertrand Tavernier

2009-04-18T19:52:00.002+02:00

Après l'Afrique (Coup de torchon), l'Asie (Holy Lola), Bertrand Tavernier traverse l'Atlantique et signe Dans la brume électrique, adaptation du roman de James Lee Burke. Une production hollywoodienne et Tommy Lee Jones en tête d'affiche : le grand nom du cinéma français a de quoi faire parler de lui. Un projet de coeur pour ce passionné de culture américaine.

L'histoire nous transporte aussitôt dans les grands thèmes du cinéma américain. C'est d'abord le souvenir de "No country for old men" qui vient à l'esprit, à la vue de Tommy Lee Jones, toujours porteur de son étoile de chérif. Ici, il mène de front deux enquêtes sans lien apparent : le meurtre d'une jeune prostituée et la découverte du cadavre d'un homme noir dans les marécages. Deux tableaux pour deux mondes et deux époques qui se croisent : la Louisiane d'aujourd'hui, minée par la mafia crapuleuse, et celle d'hier, tourmentée par le souvenir de la Grande Histoire et du racisme.Le liant, c'est l'atmosphère, brumeuse, putride et menaçante.

Mais très vite, l'intrigue est reléguée au second plan. Tavernier prend à bras le corps cette Louisiane de l'après Katrina pour en explorer l'ambiance fétide. Au coeur des marécages brumeux, les cadavres nauséabonds côtoient les apparitions fantomatiques d'un officier confédéré. Entre réalisme et hallucination, Tavernier filme la Louisiane dans sa profondeur, dans ses douleurs... Terriblement américain.

"Dans la brume électrique" est un film lent, soigné. Un polar qui ne fait pas frémir par son intrigue, sans grande originalité, mais par l'atmosphère qui l'envahit. Pesante, tourmentante, elle embrume l'esprit du personnage central, incarné avec une sombre intensité par Tomy Lee Jones. Le temps se dilate, mais finalement, les réponses émergeront en même temps que les souvenirs, tandis que la brume se lèvera, électrique.

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Expo: "Controverses, photographies à histoires".

2009-03-31T10:37:00.004+02:00

Le projet est inédit. Issue du livre de Christian Picker et Daniel Girardin, l'exposition " Controverses, photographies à histoires " réunit 80 images qui ont fait débat et procès. Un véritable laboratoire de réflexion sur les enjeux de cet art visuel, largement nourri par la polémique.

L'exposition s'ouvre sur des clichés apparemment inoffensifs : portraits du mime Debureau (Surprise, Félix Nadar, 1855), du comte de Cavour (Mayer et Pierson, 1856) ou d'une enfant travaillant au champ (Texas cotton picker, Lewis Hine, 1912). Pas d'images " choc ", contre tout attente... En réalité, cette entrée en matière est une mise en garde : il ne faut jamais sortir l'image de son contexte. Car ces tirages, aussi anodins soient-ils, ont posé les bases du statut photographique : reconnaissance du droit d'auteur pour l'un, la photo comme oeuvre d'art pour l'autre ou comme document pour le dernier.

Très vite, des images capturent le regard. Et avec elles, une question s'impose : peut-on véritablement tout montrer ? Un cliché de fillette nue ou celui d'un crucifix dans un bain d'urine (Piss Christ, Andres Serrano, 1989). Obscénité, hérésie, pédophilie... La photographie est continuellement soumise au critère de l'acceptable versus l'inacceptable. Selon les cultures et le temps, la réceptivité peut être violente ou tranquille. C'est la fragilité de cet art qui s'annonce, a priori, comme un langage universel.

Pourtant, en 150 ans d'histoire de la photographie, ce sont toujours les mêmes questions qui ressurgissent. Comme le problème de la véracité et de la manipulation : il suffit à Staline de supprimer la tête du chef du NKVD d'une photo (anonyme, Molotov et Iejov, 1938) pour faire de l'image un instrument au service du pouvoir.

Lewis Carroll, Robert Capa, David Lachapelle, ces grands noms de la photo s'accompagnent d'une charge polémique. Et si procès il y a, force est de constater qu'au travers de l'exposition, raison est donnée au photographe. Mais est-ce toujours juste? L'image soulève les questions, sans apporter de réponse.

Dans un monde saturé d'images, " Controverses " rappelle que la photographie est un art fragile, sans cesse confronté aux problèmes de droit et d'acceptation morale. Aujourd'hui encore, de nombreuses images d'un réalisme sanglant ne connaîtront pas les papiers glacés des magazines. Entre préservation d'une éthique sociale et appel à la vérité, le débat continue.

Controverses, photographies à histoires
Du 3 mars au 24 mai 2009
BNF, Site Richelieu

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Livre: D'autres vies que la mienne, Emmanuel Carrère

2009-03-27T19:51:00.006+01:00

Emmanuel Carrère est un écrivain bavard. On se souvient de son précédent roman - "Un roman russe", P.O.L., 2007 - comme d'une longue pérégrination au coeur de ses angoisses les plus intimes. L'auteur parle de lui. Beaucoup. Trop, selon certains.

"D'autres vies que la mienne" vient déjouer les médisances. Le titre s'annonce comme un projet d'écriture. Avec pour origine deux évènements terrifiants dont Carrère a été témoin : la mort d'une enfant sacrifiée pour ses parents et celle d'une jeune femme pour ses enfants et son mari.

En voyage au Sri Lanka, il assiste au tsunami qui a emporté des milliers de personnes. Notamment la petite Juliette, âgée de cinq ans. Quelques mois plus tard, il se rend au chevet d'une autre Juliette, sa belle soeur, victime d'un cancer à 33 ans.

De ce hasard naît une irrépressible envie : explorer ces deux destins qu'il ne connaît pas et les faire se croiser à travers une écriture simple, juste, proche du recueil de témoignages. Il rencontre donc Etienne, ami de Juliette et, comme elle, juge à la Cour de Vienne. Puis Patrice, son mari. Lentement des existences se dévoilent. Au coeur de toutes, celle de cette femme, mère, amie et juge. Ce livre devient son tombeau, une mémoire destinée à ses filles pour lesquelles elle n'a cessé de lutter.

Carrère ne ménage pas son lecteur. La maladie est là, oppressante, aliénante, et la mort, lente et douloureuse. L'amour, aussi, qui inonde le récit d'une remarquable tendresse. Mais pas de pathos: dans ce récit d'existences autres que la sienne c'est la vie dans toute son ampleur, belle et cruelle, que Carrère expose.

D'autres vies que la miennes, d'Emmanuel Carrère, éd POL, mars 2009

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Livre: Squats, un autre point de vue sur les migrants, de Freddy Muller et Florence Bouillon

2009-02-26T16:53:00.015+01:00

« Dès mon arrivée à Paris, travailler sur l’immigration fut une évidence. Mon point de vue sur la ville était en lien direct avec le traitement des immigrés. Je voulais voir leurs conditions d’accueil, leurs contraintes, leur quotidien. »

Le sujet, Freddy Muller le connaît bien. Tout commence par un reportage en 2004, dans le cadre de sa formation de photojournaliste à l’Ecole des Métiers de l’Information (EMI-CFD). Freddy choisira le squat de Cachan, encore peu médiatisé. Viendront ensuite des commandes pour la presse et des photos personnelles dans différents squats et lieux d’hébergement des migrants. Il assiste aux différentes expulsions, en tire des images fortes, saisissantes. Et surtout un terrible sentiment, celui d’une incompréhension totale de l’univers des squats par le monde extérieur. En cela réside tout son travail.

Alors forcément, se contenter de reportages anglés et ponctuels est trop restrictif pour montrer l’ampleur de ce phénomène, et la connaissance qu’en a développé Freddy. Il pénètre ces espaces ghettoïsés, éprouve la réalité d’un monde nourri de préjugés. S’en dégage une fibre toute personnelle qui, en deçà de la dimension socio-politique, redonne au sujet la part d’humanité qui lui est due.

Pourtant, quand on lui demande de parler de « Squats », Freddy est un peu désemparé. Comment expliquer une démarche aussi personnelle ? Par où commencer ? Comment résumer quatre ans de travail, de rencontres et de témoignages ? Le photojournaliste feuillette son livre à la recherche d’une réponse, d’un point de départ.

Les familles expulsées du squat du Prés Clos en juin 2005. Photo : Freddy Muller.

Le voici : une photo, l’inverse nous aurait surpris. Sur l’image, les habitants du squat d’Aubervilliers dorment dans la rue, suite à une expulsion. Ils passeront quatre mois dehors, sans aucun recours. Freddy s’insurge : « On est en France et des enfants dorment dans la rue. Il y a un vrai problème ! »
Ici naitra une obsession ponctuée de tendresse et de colère. Son but : sensibiliser le grand public aux conditions d’accueil des immigrés.
Squats est un livre-document aux images aussi belles que percutantes. Sans conteste, l’éditeur (Alternatives) est conquis par les images. Mais pour donner du poids à la démarche, il faut en modifier l’ampleur. L’ouvrage sera donc le réceptacle de trois énergies : la sociologie, l’image et la parole. Trois niveaux d’interprétation qui permettent au lecteur de saisir l’ensemble du sujet.

Florence Bouillon, Docteure en anthropologie, chercheuse associée à l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), explique le phénomène des squats, sujet qu’elle maîtrise parfaitement. En plus de la partie historique, elle montre la différence entre deux types de squats : « à côté des artistes et des militants politiques qui envisagent le squat comme un espace de réalisation de projets

politiques et alternatifs, les squatteurs sont essentiellement des immigrés mal-logés qui aspirent à une vie ordinaire ».

C’est sur ce dernier axe qu’elle concentre son travail, multipliant les références et les résultats de ses études sur les migrants. « Derrière le clandestin, il y a une multitude d’hommes et de femmes, aux parcours singuliers ». Le squat est une solution de secours, puis de lutte. Il est la conséquence d’un système global, une « porte d’entré », dont les « occupants par nécessité sont stigmatisés ». Ses écrits, mis en parallèle avec les photos de Freddy, nous aident à « pousser la porte du squat, pour rencontrer ceux qui y vivent et lever le voile sur la condition d’immigré ».

On découvre que « le squat se substitue au bidonville d’antan ». Et pour cela, les images de ce jeune photographe n’ont rien à envier à celles des années 50 et 60 des Bloncourt, Dityvon, Pottier… Il s’inscrit réellement dans la lignée de ces grands, et apporte une suite logique à leur travail.

Squat de la rue Charles Michel à Saint-Denis, sinistré suite à un incendie, mai 2008. Photo: Freddy Muller

En bon professionnel, le photojournaliste s’impose un détachement pour mettre en lumière un point de vue davantage humain que politique. Si le climat sécuritaire est bien présent dans ses photos, il ne cherche pas à le revendiquer. Le squat est avant tout un espace où s’organise une vie collective. On y perçoit un réel souci d’adaptation aux codes sociaux et culturels français. Entraide et solidarité sont les mots clés des migrants. Un moyen aussi naturel qu’humain de faire face à l’exclusion et à la discrimination. Freddy se définit comme un vecteur de transmission. Ses images sont toujours dans le ressenti. L’ambiance y est palpable, on a parfois l’impression d’avoir le son quand on se plonge dans son ouvrage.

Les rires d’enfants, le calme des réveils après une nuit dans la rue, les slogans scandés dans les moments de lutte, le bruit des bottes pendant les expulsions…
S’il est souvent au grand angle, c’est pour être encore plus prêt du sujet, nous livrant ainsi une vision large mais absolument pas détachée. La vie quotidienne, les luttes, la solidarité… Il les a vécues de l’intérieur, et cela se sent. La qualité photographique renforce ce sentiment. Freddy Muller sait donner un sens précis à ce qu’il écrit avec ses images. Les lignes directrices, toujours présentes, les couleurs, les ombres des personnages comme leurs portraits, s’accordent parfaitement avec l’engagement du texte de Florence Bouillon.

Démolition du squat du Prés-Clos, à Aubervilliers, en 2005. Photo : Freddy Muller.

Enfin, les témoignages apportent cette part d’humanité souvent négligée. Freddy Muller est retourné sur place interviewer une partie des squatteurs. Ibourahim, Meité ou Edouard nous font partager leur histoire. En donnant la parole à ceux qui, souvent victime de la barrière de la langue, ne peuvent se faire entendre, le photojournaliste va alors au plus près de son expérience personnelle. Une rencontre. Pour une conclusion bien trop évidente pour être, ne serait-ce qu’un instant, pensée : aucun d’entre eux n’a choisi de vivre dans un squat.

On ne peut prétendre à un ouvrage sur les squats sans souligner les problèmes de la politique migratoire actuelle. Aussi, montrer les conditions de l’immigration, c’est d’abord distinguer les différents statuts des migrants (immigrés, sans-papiers…). C’est également insister sur les difficultés de logement qui en découlent et l’inéluctable nécessité des squats. En soulevant ces points, le photographe s’exclame : « Il y a vraiment un problème de discrimination et d’accès au logement. Les migrants sont obligés d’organiser des luttes entre eux. C’est alors qu’interviennent les associations, d’où le chapitre qui leur est consacré ».

Freddy Muller engage une réflexion trop rarement entamée sur un univers obscur et marginal, où règne pourtant la plus grande des humanités. Au lecteur de poursuivre…

Socio-anthropologue, Florence Bouillon travaille depuis une dizaine d’années dans les squats et sur les phénomènes liés au mal-logement.
Photographe, Freddy Muller réalise depuis 2004 un travail documentaire dans les squats et sur les mouvements sociaux liés a l’immigration.
Maquette réalisée par Delphine Darier.

SQUATS - un autre point de vue sur les migrants
Florence Bouillon (texte)
Freddy Muller (photos)
Editions Alternatives

Publié sur Photojournalisme.fr

Livre: De Niro’s game, Rawi Hage

2009-02-24T15:50:00.004+01:00

Liban, début des années 1980. Le titre plante le décor. Dans un Beyrouth anéanti par la guerre civile, Bassam et Georges, alias De Niro, vivent de petits trafics, de vitesse et d’alcool. Pour survivre il faut être un caïd et surtout savoir jouer. Jouer avec la vie.

Dans un monde où l’horreur côtoie la démence, les deux amis se réfugient dans l’absurdité de la vie quotidienne : Bassam fuit le foyer mortifère en gagnant sa vie au port pendant que Georges travaille pour dans un casino de la milice chrétienne. Les jours se suivent au rythme des fracas, des enterrements et des pleurs. Dans un nuage de sang et de poussière, Bassam et Georges aspirent à des jours meilleurs. La solution apparaît comme un ultime salut : détourner les recettes du casino. Avec l’argent, tout est possible. Mais à quel prix ? Subir ou se battre, il faut choisir. Bassam rêve de partir. Georges flirte avec la milice. Quand la cocaïne et les meurtres s’invitent à la fête, il faut s’attendre au pire…

Rawi Hage nous fait pénétrer dans le terrible destin de deux adolescents consumés par l’urgence de vivre. L’écriture scandée et haletante cueille cette nervosité ambiante. Naissent alors des silences hébergeant toute la violence du texte. L’imagination devient le seul refuge possible. Que les rêves parlent d’exil ou de prendre les armes, sortir de la tragédie est une nécessité.

Mais au delà de la guerre, De Niro’s Game est un roman sur l’amitié. Deux amis, deux voyous, deux frères. Et une question pour toile de fond : que devient la plus précieuse des amitiés en temps de guerre ? Bassam assiste, impuissant, à la déchéance de son ami. Jusqu’à ce qu’il découvre l’autre facette de Georges, celui qu’on appelle De Niro. Une amitié noire, scellée par la découverte d’un secret.
Peu à peu, l’énergie du texte s’élime en vide et désolation. Dommage que le récit se fasse plus flottant dans la seconde partie. Mordant en son début, il est presque décevant. Trop enlevé. Souvent prévisible.

Au final, l’auteur nous plonge sans concession au cœur d’un drame collectif. Deuil, affrontement, abandon, mais aussi l’espoir des âmes brisées. Rawi Hage nous livre la guerre dans ses moindres détails. Pas de pathos ni de propos moralisateurs, il sait raconter la guerre mieux que quiconque. Et pour cause, la guerre civile est bien plus qu’un récit pour ce libanais, originaire de Beyrouth. C’est une blessure personnelle que les mots viennent panser.

De Niro's game de Rawi Hage, ed. Denoël, paru le 4 septembre 2008

Livre: Comme Dieu le veut, Niccolo Ammaniti

2009-02-18T11:53:00.013+01:00

D’Erri de Luca à Umberto Eco, la littérature italienne ne cesse de gonfler les stocks des librairies. Mélodieuse, poétique et colorée, elle s’annonce souvent comme une image de carte postale. Alors forcément, quand Niccolo Ammaniti nous précipite dans une campagne pluvieuse en proie à la misère et la vulgarité, on est un peu surpris. Tel est pourtant le visage d’une Italie abandonnée au sort de la violence et d’une économie déchue. Une Italie aux couleurs grisâtres et nauséabondes, ravagée par l’alcool et l’exclusion. Comme Dieu le veut est un voyage en terre inconnue ; un récit désopilant, presque excessif. Fort d’intentions.

Rino Zena est un chômeur fasciste. Entre deux bouteilles, il guette les services sociaux qui risquent de lui retirer la garde de Christiano, son fils avec qui il entretient un rapport passionnel, emprunt d’idolâtrie et de fureur excessive. Rino s’encanaille d’un duo de bons copains, Quatro Formaggi et Danilo Aprea. L’un, obsédé, a perdu la tête après avoir été foudroyé. L’autre ne se remet pas de la mort accidentelle de sa fille et du départ de sa femme. Bercés par le quotidien et les virées abrutissantes, ces « pieds nickelés » décident soudainement de piller un distributeur automatique. Le casse doit avoir lieu un soir où la pluie fait rage. Un soir où une jeune figure expiatoire changera la donne. Où la noirceur d’un bois abritera un acte épouvantable…

La rapidité de l’action nous conduit, sans économie, du grotesque à la tragédie. Ammaniti mêle tendresse et humour noir avant de faire exploser le récit dans la folie du désespoir. Une chute saisissante où la violence des rapports humains se justifie par une improbable rédemption. Le rythme s’accélère, la lecture s’emballe. Et résonne en nous. Comme cette écriture palpitante et séquencée, aux effets cinématographiques. D’ailleurs, une telle maîtrise du style et de l’action ne manque pas de séduire le 7e art : on attend bientôt Comme Dieu le veut sur grand écran.

Comme Dieu le veut, de Niccolo Ammaniti, éd. Grasset, paru en Août 2008

Ciné: Slumdog Millionnaire, de Danny Boyle

2009-02-03T22:15:00.010+01:00

Jamal Malik a grandi dans les taudis de Mumbai. Il est un slumdog – littéralement, chien des bidonvilles – comme on dit. A 18 ans, il s’apprête à remporter la somme de 20 millions de roupies à la version indienne de « Qui veut gagner des millions ? ». Un succès qui éveille les soupçons de la police. Comment ce gosse des rues a-t-il fait pour connaître les réponses ? Il se voit empoigné, torturé et interrogé… Il ne peut qu’avoir triché. Commence alors le moment des aveux. En toute sincérité, Jamal nous raconte une jeunesse comme les autres, dans les bas fonds de Bombay. Pourtant, des émeutes religieuses aux tortionnaires d’enfants, le jeune garçon a suffisamment vécu pour connaître le nom de l’inventeur du révolver ou du président sur un billet de 100 dollars.

L’histoire est belle, simple et suffisamment irréaliste pour nous conforter sur un point : nous sommes bien au cinéma ! Jamal est ce héros des temps modernes, que les expériences de vie, aussi douloureuses soient-elles, conduisent vers la réussite. Tout droit sorti d’un livre pour enfant. Si bien que la mafia et les autres menaces sont presque atténuées. Dommage…
Mais Slumdog Millionnaire, c’est la fraicheur d’une destinée sur fond de crasse et de misère. Un clin d’œil au cinéma bollywoodien qui ne manque pas d’attendrir le public. Le film est un succès, sans conteste. Les spectateurs ont une envie irrépressible d’applaudir aux dernières notes du générique, chanté et dansé à la Bollywood par les comédiens.

Des couleurs vives, un univers chatoyant, une histoire touchante, du suspense justement dosé. Slumdog a tout d’un bon film. La force de Danny Boyle est là : un scénario en béton et une construction complexe admirablement bien menée. Du plateau télé aux souvenirs d’enfance, en passant par le commissariat, il nous entraine dans une série de flash back aussi haletants que surprenants. Le film est rythmé, énergique. A l’image d’un Jamal dont le cœur bat pour une seule et même cause : retrouver sa dulcinée. Car bien sûr, Slumdog Millionnaire ne déroge pas à la règle des grands classiques du cinéma : une histoire d’amour trépidante, livrée à tous les dangers !

Slumdog Millionnaire, de Danny Boyle, sorti le 14/01/09
Avec Dec Patel, Mia Drake, Freida Pinto

Expo: Guy Tillim - "Jo'burg", "Avenue Patrice Lumumba"

2009-01-23T14:31:00.012+01:00

Né à Johannesburg en 1962, Guy Tillim a grandi dans les quartiers blancs de la ville sud africaine. C’est dans les années 80 qu’il devient photographe, puis son travail se démarquera peu à peu d’une vision classique, ou conformiste du photojournalisme. Des papiers glacés de la presse internationale, ses photos gagneront les murs des galeries d’art. Pour la première fois en France, une exposition personnelle lui est consacrée.

Au départ, la photographie ne l’intéressait pas. Il s’empare de l’objectif pendant les premières barricades de la lutte contre l’apartheid. Son but : comprendre. « L’appareil photo était l’outil idéal pour transcender les frontières, pour voir ce qui se passait dans mon propre pays ». Très vite, il intègre le collectif de photographes engagés Afrapix .
Pour Tillim, le photojournalisme est un moyen de dépasser les préjugés raciaux instaurés par l’apartheid. Des images troublantes, superbes, justes. Au croisement du reportage et de la photo purement plasticienne. Son anticonformisme séduit. Son esthétique le distingue. Une ambiguïté manifeste que l’on retrouve dans les deux séries exposées à la Fondation Henri Cartier Bresson.

La série, « Jo’Burg » date de 2004. Le photographe pénètre les tours du centre de Johannesburg délaissées par la communauté blanche à la fin de l’apartheid.
Dans ces constructions insalubres et dévastées, il photographie la force de la vie, refaite comme il se doit.

On y vit entassé, dans le délabrement le plus total. Mais on y vit. Le photographe pénètre l’intimité des habitants pour en extraire des bribes du quotidien : une femme serrant son enfant, une cuisine de fortune presque trop bien rangée, une silhouette dans l’obscurité d’un couloir. Pour Tillim, il ne s’agit pas de montrer la misère d’un peuple victime de l’exclusion et de la guerre.

A première vue, les clichés ressemblent à des photos volées. Pourtant, quiconque ne rentre pas dans ces quartiers de Johannesburg. Pendant 5 mois, Guy a vécu au sein de cette nouvelle communauté du centre ville. Loin de la pitié et de la compassion, il a un regard tendre. Ses photos sont sourdes. Douces. Sur fond de misère, il fait ressortir la paix intérieure des habitants : une image christique vient illuminer le mur d’une chambre ou d’un salon de coiffure. Dans une atmosphère grisâtre, imbibée par des façades décaties, un jeu de lumière apparaît comme une lueur d’espoir.
Ainsi, Guy Tillim use de son appareil photo comme d’un catalyseur. Il en a découvert les vertus avec le temps : « la photo offre la possibilité de changer le regard"

Le regard. Tout est là. La photographie resserre le cadre, réduit le champ visuel. Comme dans « Avenue Patrice Lumumba », lorsqu’il s’attache à l’architecture pour parler des faits sociaux.

La seconde série “Avenue Patrice Lumumba” est une errance à travers plusieurs pays : le Congo, le Mozambique, Madagascar, l’Angola… Dans un seul but : chercher à s’emparer de ce que les paysages recèlent, cette « identité indéniablement africaine ». Une rue déserte, des bureaux administratifs vacants, des statues mutilées.

Les clichés outrepassent la démarche purement documentaire. Tillim construit son errance autour d’une quête identitaire personnelle. Cet enfant du continent entend avant tout se saisir dans l’absurdité d’un paradoxe : le vide politique après la victoire. « La terre où je suis née m’est devenue étrangère à mesure que je la découvrais. Le désir de photographier cette scène est moins lié à la volonté d’en poser le décor que de m’y situer moi-même. »

Du 13 janvier au 19 avril 2009, à la Fondation Henri Cartier-Bresson.

Publié sur photojournalisme.fr: http://www.photojournalisme.fr/?p=267

Expo: "6 milliards d'Autres" de Yann-Arthus Bertrand

2009-01-20T18:53:00.006+01:00

Il y a quinze ans, Yann-Arthus Bertrand a survolé la terre. Il en a rapporté « La Terre vue du ciel », des images merveilleuses, exotiques, étonnantes... Du bout de son objectif, il voyait les hommes : « Je me demandais souvent ce que je pourrais apprendre des hommes et des femmes que j’apercevais en dessous de moi. Je rêvais de pouvoir entendre leur parole ». La photo ne suffit donc pas. Aidé de six reporters, il décide de parcourir la terre caméra à l’épaule pour sonder les expériences humaines. Un documentaire inédit.

Le projet est audacieux : 50 questions, 6 réalisateurs et 75 pays. Le résultat est superbe : 5000 portraits, autant d’interviews et un délicieux voyage au cœur de l’humanité. Les portes du Grand Palais à peine franchies, des visages sur grand écran nous accueillent. Le périple commence. Il prendra la forme d’une promenade dans un village mongol.

Dépaysement garanti
Vingt-quatre yourtes ont été montées dans la nef du Grand Palais, chacune d’elles renvoyant à un thème : Peurs, Epreuves, Aimer, Femmes, Famille… Guidé par la curiosité, le visiteur déambule au gré de ses envies. Une pérégrination qui le conduit vers une révélation, une tranche de vie. Dans l’obscurité d’une tente, une interview d’une trentaine de minutes l’attend. Cadrés en gros plan, Mario l’argentin ou Zhixi la chinoise se prêtent au jeu du questionnaire. Sans crainte ni timidité, avec une pudeur toute mesurée, un visage se raconte.

Un espace de confidences
« Qu’est-ce qui vous met le plus en colère ? » « Qu’avez-vous envie de transmettre à vos enfants ? » « Qu’est-ce que l’amour pour vous ? » Autant de questions destinées à ouvrir des brèches, à pénétrer au cœur d’une vie, à comprendre l’autre. Au total, plus de 20 heures de film offrent un panel de témoignages. On y parle du bonheur, de la peur, des croyances, des rêves. En toute intimité, la yourte se fait espace de confidences où règne l’harmonie. Car comprendre autrui, c’est avant tout saisir l’énergie de ses paroles. Des témoignages touchants nous entrainent dans un tourbillon d’émotions. Parfois drôles. Toujours émouvants. Nous en sortons avec la douce sensation d’être un privilégié qui en connaît un peu plus sur son voisin.

De l’autre à soi
« 6 milliards d’Autres », c’est d’abord six milliards d’altérités. Yann-Arthus Bertrand a un but : voir ce qui sépare et ce qui lie les hommes entre eux. Car dans un monde où l’altérité est synonyme de différence ou d’étrangeté, le photographe brave les idéaux d’une humanité intègre. Ecouter les témoignages, c’est s’interroger sur ses propres réponses. Partager les émotions, c’est faire du ressenti le siège de l’universalité. L’exposition n’est pas seulement une ouverture sur l’autre. Il s’agit de voir ce qu’autrui peut nous apprendre sur nous-mêmes. Un projet facilement qualifiable d’utopique mais qui a le mérite de nous laisser grandis.

Article à lire sur psychologies.com: http://www.psychologies.com/cfml/article/c_article.cfm?id=10227

Ciné: Burn after reading, des frères Cohen

2009-01-05T15:03:00.009+01:00

Une fois de plus, les frères Coen vont parfaire leur réputation de grands maîtres du cinéma. Comme dans les meilleurs Coen, un mot ressort : absurde. Un seul ? Pas vraiment. Disons plutôt que "Burn after reading" est un délicieux mélange de sérieux, d'humour, d'extravagance et d'auto-dérision.

Osborne Cox, analyste à la CIA apprend qu'il est licencié. Désemparé, il se noie dans l'alcool et envisage d'écrire ses mémoires. Sa femme décide de le quitter pour rejoindre son amant, Harry Pfarrer. Ailleurs dans la banlieue de Washington, Linda Litzke et Chad Feldheimer, employés au club de gym Quedumuscle, trouvent par hasard le cd contenant les informations de Cox. Linda y voit aussitôt la possibilité de se payer les nombreuses opérations de chirurgie esthétique qui changeraient sa vie. On n'en dira pas plus sur l'histoire, d'abord pour ne pas décevoir ceux qui ne se sont pas encore précipités au cinéma. Surtout parce que tout film des frères Coen baigne dans une loufoquerie indescriptible. A voir, c'est tout.

Le film est peut-être un peu long à démarrer. Mais quand on entre à Quedumuscle, il semble qu'on pénètre dans un autre temps, celui d'une Amérique dépassée et généralement oubliée de Hollywood... Le délire commence. Et avec lui des personnages à la douce folie jouissive : Lynda et Chad se prennent pour des espions de films de seconde zone. Harry, parano et obsédé, se prend pour un inventeur de génie. Autant de personnages désopilants qu'un malicieux non-sens conduit dans les situations les plus rocambolesques. Et dans un remarquable contre-pied, le sérieux de la CIA est à se tordre de rire.

"Burn after reading", c'est de la loufoquerie pure, mais on y croit ! Et si l'absurde reste la marque de fabrique des réalisateurs, leur force est de ne jamais tomber dans le grotesque. Tissé par des dialogues savoureux, "Burn after reading" est moins violent et plus léger que "No Country for old men". En apparence. Sous le rire se cache une fine noirceur ; le message critique et politique passe toujours mieux sur fond d'absurde...

En réunissant John Malkovitch, Georges Clooney et Brad Pitt, les frères Coen garantissaient des personnages charismatiques. Un clin d'oeil tout particulier à Brad Pitt qui offre une prestation totalement déjantée, un joyeux pendant du malfrat d'"Ocean's eleven".
Certains y verront un "petit Coen", parce que trop enlevé, trop fou. Il n'y a pourtant qu'eux pour faire coexister le cynisme et l'humour, la folie et la bêtise humaine, le film à suspense et la comédie avec autant de plaisir.

Burn after reading, de Joel et Ethan Cohen, sortie le 10/12/2008
Avec Brad Pitt, George Clonney, Frances Mc Dormand, Jonh Malkovich

Publié sur CritikArt.net: http://www.critikart.net/cinema.md/551_burn-after-reading

Et aussi: l'abécédaire de Psycho

2008-12-22T22:52:00.007+01:00

A première vue, Psychologies magazine, c'est un gros titre rouge et une photo de "star" qui se prête à l'épreuve du "divan". C'est aussi des articles à gogo sur soi, l'autre, l'amour, la vie en somme... Alors, la rédaction web a décidé de développer son esprit critique (et de s'amuser un peu!) en créant les abécédaires. Les victimes: nos chères célébrités qui arborent leur minois - ou leur chute de reins! - en couverture!! On jubile déjà...

Ma première cible: Ludivine Sagnier. Extraits

A comme... à poils!
Dans ses cinq derniers films, Ludivine Sagnier s’est montrée pour le moins… dénudée. Une plastique de rêve qui ne manque pas d’inspirer les réalisateurs et de faire parler le public. Pourtant, l’actrice se dit elle-même plutôt pudique et affirme cacher sa nudité derrière le masque de son personnage. Maligne Ludivine… tout le monde sait qu’un beau corps est un véritable atout dans la jungle du cinéma !

B comme... blonde
Un minois irrésistible, des cheveux blonds comme les blés, Ludivine Sagnier a tout d’un petit ange. De la douceur enfantine à la femme charmeuse, sa blondeur est synonyme de séduction. Elle n’hésite pas à passer du châtain dans Une Aventure et La Californie, au blond platine dans La fille coupée en deux, en passant par le blond ébouriffé dans La petite Lili.
Blonde, Ludivine se revendique comme telle, et ça lui va plutôt bien !
(...)

H comme... Harcourt studio
Ce n’est pas l’étoile sur Hollywood boulevard mais presque ! En 2002, alors qu’elle vient de tourner 8 femmes de François Ozon, la jeune actrice d’à peine 23 ans impose sa frimousse aux côtés de celle des plus grandes stars. Un lieu mythique, une ambiance intemporelle, de superbes clichés en noir et blanc… et une moue boudeuse ! Ludivine, que diable, un sourire ! A croire qu’on s’ennuie au Harcourt Studio !
(...)

J comme... Julie
« Julie… c’est le pouce ! » non pas parce qu’elle est super (quoi qu’on ose le penser !) mais parce que Ludivine compte ses amis sur les doigts d’une main. Alors, celle qui tient la première place, c’est Julie Depardieu. Quel honneur ! Depuis leurs retrouvailles sur le tournage de Cyrano de Bergerac, les deux blondinettes sont devenues inséparables. Mais quid de l’index, du majeur et Cie… ?
(...)

M comme... maman
C’est le scoop de la rentrée, Ludivine Sagnier attend un deuxième enfant cet hiver. Mais le vrai scoop, l’info qui a excité les curiosités des uns et des autres, c’est évidemment : l’identité du papa ! Le mystère est levé : il s’appelle Kim Chapiron et il est… réalisateur ! Une fois encore, Ludivine a usé des services de l’agence matrimoniale du cinéma ! Que les langues médisantes se taisent... une seule explication est recevable : ne parle-t-on pas de la « grande famille du cinéma » ?
(...)

P comme... Playboy
En janvier 2008, Ludivine Sagnier a confié ses plus beaux atouts au magazine de charme très très… convoité par la gente masculine ! Une poitrine insidieusement cachée, une position langoureuse … Est-ce la même personne qui prétend accepter de se dénuder à l’écran sous prétexte qu’elle joue un rôle ? Les mystères du papier glacé nous échapperons toujours…
(...)

S comme... sympathique
Quand Ludivine veut témoigner de son affection, elle ne fait pas dans la dentelle. Alors que Claude Chabrol – ayant succombé au charme de la Fée Clochette – lui propose un rôle, elle s’exclame : « J’adore chiner de vieilles pièces comme Chabrol » ! Taquine jusqu’au bout, elle a donné un coup de jeune au réalisateur en lui offrant une robe de chambre Playboy ! Ils en rient encore… Ludivine a manifestement le « truc » pour se faire des amis. Et Chabrol dans Playboy, c’est pour quand ?
(...)

W comme... Walt Disney
« Physiquement, je suis très commune, dès qu’on m’ôte le maquillage, je redeviens citrouille ». Et oui, la magie du cinéma, c’est comme un Walt Disney. On sait tous que les stars les plus sexy ne sont que de simples êtres humains boutonneux, poilus et transpirants. Mais enfin, gardons un peu la douceur d’une illusion trop vite perdue… On est sûr qu’au réveil, Ludivine est…une très jolie citrouille !
(...)

Z comme... zeste
Un conseil beauté façon Ludivine Sagnier : des pâtés, du gras et du coulant ! Le zeste ? Connaît pas ! Cette phrase parle d’elle-même : « Chaque matin, j’applique sur ma peau sèche trois grosses couches de la Crème Réconciliante de Payot que je laisse poser cinq minutes, avant de retirer ce qui n’a pas pénétré. » Effectivement, Ludivine ferait bien de se réconcilier avec sa crème de jour !

A lire intégralement sur psychologies.com: http://psychologies.com/cfml/diaporama/ludivinesagnier.cfm

Ma seconde cible: Carole Bouquet.